TOMBOY, de Céline Sciamma

La historia de una niña que decide vestirse como un chico.

La historia de una niña que decide vestirse como un chico.

 Apreciada en el Festival de Cannes 2007 en la sección Un Certain Regard con su primer largometraje, Naissance des pieuvres, Céline Sciamma ha rodado con la mayor discreción este verano en París su segundo trabajo,Tomboy. El reparto de la cinta, cuyo agente de ventas es Films Distribution, está compuesto por Zoé Heran, Malonn Levana, Jeanne Disson, Sophie Cattani y Mathieu Demy.El guión de Tomboy, escrito por la realizadora (que también ha participado en Ivory Tower, del músico canadiense Chilly Gonzales, un título presentado este año en Locarno), narra la historia de Laure, que llega a un nuevo lugar con su hermana. En búsqueda de nuevos amigos, visto que no conoce a nadie, la joven decide vestirse como un muchacho. Con el tiempo se hace amiga de Lisa, pero ésta no sabe que su nuevo mejor amigo no es un chico. Tomboy, producida por Bénédicte Couvreur para Hold Up Films & Productions, ha recibido un adelanto de Canal + y el apoyo de Sofica Arte Cofinova 6. Su financiación aún no está cerrada, ya que aún no cuenta con distribución en Francia. “A finales de mayo, habíamos cerrado el reparto ideal y decidimos rodar enseguida”, explicó a Cineuropa la productora (que ya se había ocupado del primer largometraje de Céline Sciamma), que ha anunciado que “la película será estrenada durante el primer semestre de 2011”. Ya circula por la red el primer tráiler de esta interesante propuesta, miremos este adelanto mientras ubicamos en Tomboy dentro de la lista de películas imperdibles para este año: 

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Critica: WIN WIN

Titulo: Win Win (Ganamos todos)

Director: Thomas McCarthy

País: Estados Unidos

Genero: Drama. Comedia

Guión: Thomas McCarthy

Fotografía: Oliver Bokelberg

Música: Lyle Workman

Reparto: Paul Giamatti, Amy Ryan, Jeffrey Tambor, Melanie Lynskey, Bobby Cannavale, Margo Martindale, Burt Young

Sinopsis: Mike Flaherty (Giamatti), un abogado sin demasiada suerte en su trabajo, dedica su tiempo libre a entrenar a los muchachos de una escuela de lucha libre. En un momento dado, Mike asume la defensa de un viejo cliente con la esperanza de mantenerse a flote y sacar de apuros a su familia. Sin embargo, cuando el nieto adolescente de su cliente, toda una promesa deportiva, escapa de casa y se va con su abuelo, la vida de Mike dará un giro completo. 

Trailer: Win Win

LA CRISIS DEL GÉNERO.

Es casi imposible juzgar a “Win Win” sin antes citar forzosamente los criterios distintivos del cine independiente norteamericano. Son muchas las corrientes que lo definen y lo diferencian, pero todo apunta a precisar un estilo de creación artística inigualable y excepcional.  Hoy en día se habla de factores financieros: estas producciones cuentan con un presupuesto extralimitado y no están representadas por los grandes productores o miembros del sindicato; pero también se habla de factores estéticos u ornamentales: se dice que el cine independiente viene a desvanecer el vacio estético del cine comercial y a centrar todo su ingenio en la profundidad del fondo dejando de lado factores estéticos que no representan la grandeza de este arte. Se podría entonces estipular que aunque existen grandes producciones que resultan memorables, las películas del cine independiente ofrecen al espectador una experiencia diferente, inteligente y más autentica por los motivos antes citados. Pero, dolorosamente hay que reconocer que hoy en día, no toda película indie resulta satisfactoria, ya que la implacable etiqueta que presume el género, atribuye características inexistentes a películas que intentan posicionarse como ganadoras. “Win Win”, la comedia dramática del infravalorado realizador Thomas McCarthy, lamentablemente pierde tanto al considerarse como obra indie, como al considerarse simple comedia.

McCarthy concluye su trilogía sobre el afecto (inicio con “The Station Agent” y extiendo con la grandiosa “The Visitor”) retratando una historia similar a la vida diaria, decorada con pequeños toques humorísticos altamente sugestivos que logran nivelar aflicción con esperanza, y convierten a “Win Win” en una película en donde como su nombre lo indica, finalmente todos resultan ganadores. Pero, mi crítica va dirigida a ese aspecto optimista dominante en la obra de McCarthy, en donde sus argumentos casi siempre consiguen la salida más cómoda en pro de la enseñanza y conciliación espiritual de sus personajes, este modus operandi desequilibra y rechina en todo el conjunto, y produce una sensación de inconformidad con lo visto pese a que la premisa y la trama central resultaran tan interesantes y creíbles.  Por tanto “Win Win” es irregular y un tanto falsa, si bien se observa al inicio de la película una interesante sensación de desinterés hacia lo ficticio y rebuscado (aunque los múltiples clichés del genero están a la orden del día), empleando personajes (lo mejor de la película) que resultan tan cercanos, auténticos y entrañables; al arribar al desenlace, observamos un clímax de desesperación argumental por intentar rebuscar la solución más fácil a la problemática que presenta el argumento y vemos como todo se soluciona tan rápido y tan irreal que me pregunto con suma inocencia: ¿Es esto cine independiente; cine que nace de las entrañas y la realidad; que habla de gente común con problemas cotidianos, que solo demuestra y propone y por el contrario no soluciona? ¿O acaso estamos presenciando un cambio desfavorable en el género y no volveremos a ver obras tan maravillosas y autenticas como “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (2004), “Happiness” (1998), “Clerks” (1994), “Sex, Lies, And Videotape” (1989), “Stranger than Paradise” (1984), “Lost in Translation” (2003), “Trainspotting” (1996), “Closer” (2004), “The Life Aquatic with Steve Zissou” (2004), “Thirteen” (2003), “Blue Velvet” (1986), “Se7en” (1995), “Donnie Darko” (2001), “The Squid and the Whale” (2005)…?

Aún así, estamos ante una película afectiva que resulta agradable al publico en cierta medida, con unas actuaciones y unos personajes muy próximos, creíbles y entrañables. Una película que simplemente se deja ver y que probablemente será olvidada en el futuro. En mi caso, una pequeña decepción.

Nota: 5.5/10

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LAS INDIE DEL 2011

Una película independiente es una película que ha sido producida fuera de los grandes estudios cinematográficos y, en EE.UU., principalmente con personal no afiliado al sindicato. Por lo general es una producción de bajo presupuesto de una productora pequeña. La nueva generación de cámaras digitales contribuye a que sea más fácil realizar películas y, por tanto, a una popularización del cine independiente a nivel internacional en la actualidad. En Nueva York, el llamado New American Cinema Group, proclamó en septiembre de 1960 su manifiesto fundacional, «no queremos películas rosas, sino del color de la sangre». Ya existía para entonces el cine independiente, «experimental» y «vanguardista», nacido con finalidades de subversión y condenado a vivir en reducidos ghettos culturales, resistiéndose a todo encasillamiento.  Aunque siempre hubo directores independientes, Orson Welles, George Lucas,  entre otros, el cine independienteactual, ha dado en denominarse «underground» (subterráneo), por su carácter semiclandestino y marginal, cuandotodavía se rodaban en Estados Unidos películas multimillonarias. Fueron Biberman y Wilson, con el apoyo económico de un sindicato minero los que reconstruyeron en La sal de la tierra (Salt of the earth, 1953), los conflictos laborales de una empresa, la Delaware Zinc Co. de Nuevo México, a raíz de exigencias de los obreros mexicanos de recibir iguales condiciones que sus compañeros norteamericanos. Es uno de los primeros filmes «contra corriente». A pesar de que sus directores estaban inscritos en las «listas negras» de Hollywood la película obtuvo varios premios importantes fuera de su país. Un director ya reconocido en el cine independiente es John Cassavetes que rodó Shadows (1960) con la cantidad de 15.000 dólares. Es la historia de una joven seducida por un hombre, quien de pronto averigua que ella pertenece a una familia negra y decide abandonarla. Cada día avanza más el empuje del cine independiente, con festivales propios lejos de las fuerzas de Hollywood,como el Festival de Cine de Sundance, con actores y directores de prestigio que se prestan a otro tipo de cine, sin contar con los condicionamientos de la gran industria, ni con la presión de los sindicatos, ni con la puritana censura norteamericana ni con los grandes circuitos de exhibición. Los actores que se prestan a actuar en este tipo de cine independiente, aún los más conocidos, cobran exiguas cantidades en comparación con las que perciben en el cine comercial, debiendo en ocasiones improvisar ante las cámaras a partir de una línea argumental. No obstante, también en el cine independiente, al margen de los grandes estudios, se encuentran productos que han sido muy comerciales. Algunas películas de éxito han sido Indiana Jones y el arca perdida (Raiders of the Lost Ark,1981),  de Steven Spielberg, Blade Runner (1982),  de Rideley Scott,  El precio del poder (Scarface, 1983), de Brian de Palma, El sargento de hierro (Heartbreak Ridge, 1986), de Clint Eastwood y Quién engañó a Roger rabbit (Who Framed Roger Rabbit, 1988)  de Robert Zemeckis.

El presente post, además de tener como propósito mostrar las cualidades y limitantes del cine independiente, tiene como misión presentar las principales películas “indies” del 2011. Se incluyen en su mayoría cine Indie de Estados Unidos, a excepción de un par de títulos de habla no inglesa,  ya que filmografías enteras de muchos países son de bajo presupuesto.

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Critica de TILL DET SOM ÄR VACKERT (Pure / Beloved)

Titulo: Till det som är vackert

Director: Lisa Langseth

País: Suecia.

Genero: Drama. Adolescencia.

Guión: Lisa Langseth

Fotografía: Simon Pramsten

Música:

Reparto: Alicia Vikander, Samuel Fröler, Josephine Bauer, Martin Wallström, Helén Söderqvist Henriksson,Anna Åström, Elisabeth Göransson, Magnus Lindberg

Sinopsis: Katarina, de 20 años, con un pasado turbulento en un triste suburbio, siente que su vida parece estar ya escrita en piedra, hasta que descubre la música. Todo cambia cuando oye una interpretación del Réquiem de Mozart en el Salón de Conciertos de Gotemburgo, abriendose un mundo nuevo y precioso para ella. Ella siente que tiene que cambiar su vida y llegar lo más lejos posible como sea. Pero el camino que debe seguir es una prueba traicionera, llena de mentiras, traición y una relación peligrosa con el conductor, Adán, quien está casado. Sin embargo, Katarina está dispuesta a hacer cualquier cosa para obtener su nueva identidad

Trailer: Till det som är vackert

SIN MÚSICA LA VIDA SERÍA UN ERROR.

No existe otra frase más apropiada para justificar el cúmulo de sensaciones y matices que produce esta interesante producción sueca. “Till det som är vackert” ó “Pure (Beloved)” –titulo internacional- revela una prominente premisa argumental basada en el leitmotiv de una joven que es trastocada sensorialmente por las armoniosas melodías de la música clásica.

Katarina, una joven problemática con antecedentes de agresividad, siente una afinidad sorprendente por el Réquiem de Mozart que escucha a escondidas la mayor parte del tiempo. Accidentalmente consigue un trabajo como recepcionista en el Salón de Conciertos.  Encantada con el mundo bohemio, decide dejar atrás los conflictos, el suburbio que la rodea y el vacío, para entregarse de lleno a este nuevo descubrimiento, este mundo fascinante que hace aflorar sus sentimientos y le permite entender ampliamente lo que significa la verdadera belleza. Pero el camino a la redención es escabroso, y Katrina se topara con diferentes problemas que sucumbirán su corazón y su alma.  “Pure (Beloved)” se mueve bajo la misma orbita argumental que se ha observado en los últimos años en el cine europeo. Cine social con propósito y significado, que describe pequeñas minorías y sus esfuerzos de sobrevivencia ante la enormidad. Pero nos ofrece como novedad, un trabajo narrativo riguroso dotado de ese sentido de la realidad que tantas veces echamos en falta en el séptimo arte.  Nada aquí es casual, y quizás por ello se siente que la obra esta cargada de tanto sentido y significado que ahora mismo ubicaría una docena de teorías filosóficas existencialistas para describir la manera en que ha sido construido el personaje principal, su desenvolvimiento, su problemática y su resultado. Para no extenderme y que no parezca algo medio abstruso, se puede definir vulgarmente  la tribulación de Katrina de la siguiente manera: Katrina es una joven que desnuda su cotidianidad problemática y rustica, para refugiarse ante el inminente mundo bohemio de la música clásica. Tras el descubrimiento y la excitación, consigue penetrar este nuevo manjar que le permite apreciar la belleza y la magia de la música. Pero observa que poco a poco es más difícil desprenderse de su pasado o su antigua vida. Cuando ambos mundos colisionan, Katrina se enamora del hombre que observa como  un ser superior o elevado a ella. Katrina descubre además de un amor interesado y banal, la frialdad y mezquindad que se esconde tras la mascara del encanto. Katrina se ha hecho un ser que se pregunta por el ser. Katrina supera el entorno, el desencanto, las barreras y las enormes piedras en el camino, y supremamente guerrea por la meta, el lugar y el tiempo que tanto anhela. Finalmente Katrina expande su sabiduría y ríe victoriosa mientras sigue devorando la música que tanto adora.

Con actuaciones memorables de Alicia Vikander y Samuel Fröler, y una dirección que se ajusta al planteamiento, pero que lamentablemente no llega a sobresalir, “Pure (Beloved)” resulta embriagadora de principio a fin, debido a su notable argumento y su exquisita elección musical. Puede que se observen producciones comparables o mejores que ésta, pero “Pure (Beloved)” se puede situar como un punto de inflexión hacia una resolución más elaborada, menos accesible pero realista, la maduración óptima de una historia que se cuenta sin ningún tipo de tapujos o miedos conceptuales que logra su mayor auge argumental con el potente e inolvidable desenlace. Así como el Réquiem de Mozart, “Pure (Beloved)” es una obra artística revitalizante. Una película accesible y sorprendente, que cala con mas profundidad en futuros visionados.

Nota: 7.5/10

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"THE FUTURE" de Miranda July

En unos tiempos en los que las estrellas de Hollywood, hambrientas de papeles en los que puedan lucirse y experimentar un poco, se han apoderado del supuesto cine independiente, Miranda July es una de las pocas supervivientes auténticas de la jungla que es el cine indie. Hija de predilecta del festival de Sundance, la actriz, compositora, escritora, diseñadora  y directora está a punto de estrenar en las salas americanas la comedia dramática "The Future".

El retorno de la directora de “Me and You and Everyone We Know" (película que adore y que triunfo en Sundance y Cannes, incluyendo la victoria por la cámara de oro 2005) significa que todos los amantes del cine indie tiene a la vista una obra que alabar. La película se centra en una pareja de treintañeros, cuya decisión de adoptar un gato callejero cambia su perspectiva de la vida, alterando, literalmente, el curso del tiempo, y poniendo a prueba su fe en los demás y en sí mismos. Sophie y Jason viven en un pequeño apartamento de Los Ángeles y ambos odian sus respectivos empleos. Dentro de un mes adoptarán a un gato llamado Paw Paw (singular narrador de la historia). Como un bebé recién nacido, su mascota necesitará atención durante todo el día (puede morirse en seis meses o tardar cinco años). A pesar de sus buenas intenciones, Sophie y Jason están aterrorizados de su inminente pérdida de libertad. Durante esos 30 días, renuncian a sus puestos de trabajo y a Internet, y se lanzan a la consecución de sus sueños: Sophie quiere crear una danza; Jason, simplemente, quiere dejarse guiar por el destino. El tiempo pasa y nada cambia. En un momento de desesperación, Sophie, humillada por su incapacidad para avanzar en sus planes, llama a un extraño, Marshall, un hombre de cincuenta años que vive en el Valle. En su mundo suburbano, Sophie no tiene que seguir siendo ella misma, y mientras se quede allí, nunca más será necesario. Viviendo en dos realidades vacías y diferentes, Sophie y Jason deben reunirse con el tiempo, el espacio y su propia alma si quieren regresar a casa. La música estará a cargo del gran músico y productor Jon Brion, responsable de los scores de grandes clásicos de la última década como “Magnolia” (P.T.Anderson) o “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (Michel Gondry). Finalmente disfrutemos del interesante tráiler que justo hoy empezó a circular por la red: 

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