Los DOCUMENTALES del 2009

El documental, es el género cinematográfico, mas infravalorado de la actualidad. Tanto los medios televisivos, como las productoras cinematográficas y el público en general, han desplazado este género dentro de sus preferencias del entretenimiento artístico. Desde que los hermanos Lumiére, centraron las bases de la realización del cine con el mundo, y luego, Dziga Vertov y Robert Flaherty adoptaron el género naciente, el genero pese a los problemas de percepción del publico, ha ido evolucionando, arrojándonos anualmente una cantidad de títulos sugestivos, trabajos relevantes e importantes que merecen ser vistos, grandes historias reales, sobre los problemas y hechos que acontecen en el panorama mundial. El cine documental merece y necesita espectadores, y esto solo se puede lograr con el aumento de ventanas de difusión del género documental. La presente publicación, tiene como finalidad exponer los documéntales mas relevantes y en la mayoría de los casos, los mas esperados del presente año. Así mismo, se desea incentivar a los visitantes, lectores y demás público en general, seguir reforzando el visionado del género documental. Hay un gran número de historias reales, fascinantes y perturbadoras que nos estamos perdiendo, por ir meramente a “divertirnos” en las salas de cine. Algunos de los documentales mas importantes del año son (click sobre el titulo para ver el trailer):

Les Plages d’Agnès / The Beaches of Agnes (Agnès Varda)

Un paseo en compañía de la cineasta Agnès Varda por las playas que le han marcado en la vida. Bélgica, sur de Francia, California, París, son algunos de los lugares en los que Agnès rueda y se rueda, invitándonos a penetrar en su mundo: un sinfín de imágenes, encuentros, retazos de sus películas, fotografías y sorprendentes escenas que conforman su autorretrato.

Crude (Joe Berlinger)

Crónica de una de las mayores y más controvertidas demandas legales de la historia: el caso contra Chevron-Texaco por la contaminación continua, a lo largo de tres décadas, de la región amazónica ecuatoriana. Según la demanda, durante 30 años la petrolera Texaco explotó una región de la Amazonia ecuatoriana y vertió en ella cerca de 18 millardos de galones de desechos tóxicos, envenenando la tierra, el agua y el aire. La zona de muerte que creó el crimen ecológico tiene alrededor de 14 mil kilómetros cuadrados, equivalente a la superficie de los estados Aragua y Yaracuy juntos. Dirigido por Joe Berlinger (“Metallica: Some Kind of Monster”)

The Cove (Louie Psihoyos)

Ha sido uno de los documentales más elaborados y mejor recibidos por la crítica. En una gruta en la costa de Japón existe un grupo secreto que de manera inhumana cazan indiscriminadamente a los delfines bajo la mirada de las autoridades que no hacen nada al respecto. Un grupo de avezados activistas decidirá entonces infiltrarse en la zona, arriesgando su vida para poner al descubierto estos cruentos ataques a los indefensos animales

Valentino: The Last Emperor (Matt Tyrnauer)

Rodada siguiendo los postulados de la corriente francesa del cinéma vérité, basada en el empleo de un equipo mínimo y con la cámara al hombro, la cinta propone una exploración "íntima, atractiva y humorística de uno de los más importantes iconos de Italia". Entre junio de 2005 y julio de 2007, Tyrnauer rodó más de 250 horas de material sobre Valentino y dispuso de un acceso "exclusivo y sin precedentes" al diseñador y su entorno, según la firma.

Food, Inc.(Robert Kenner)

El propio Michael Pollan (narrador y guionista) se pregunta: “¿Cómo es posible comprar una ‘hamburguesa con queso’ pero no una cabeza de brócoli con 99 centavos de dólar?”, en franca referencia al desenfreno de precios en la industria de la comida rápida de Estados Unidos, liderada por McDonald’s (ya criticada en el documental “Super Size Me“). En “Food, Inc.” asistimos a la situación actual de los campos de maíz estadounidenses, así como al análisis de los subsidios y la tecnología del sector agrícola “made in USA”. El documental retrata, con el uso de cámaras ocultas en varias fábricas, el sistema laboral de la industria gastronómica, algo “muy cercano a la esclavitud”, según los realizadores.

Facing Ali (Pete McCormack)

El tres veces campeón mundial de peso pesado, Muhammad Ali, derrotó a casi todo boxeador de categoría de la era dorada del boxeo, y se convirtió en un símbolo del deporte para generaciones de seguidores. Ahora, diez de sus aclamados rivales le rinden tributo a quizás uno de los más amados e inspiradores en “Facing Ali”.Con entrevistas exclusivas y un amplio material de archivo de la carrera del campeón, El documental muestra sus más inolvidables rivalidades, repasa sus triunfos, tragedias, e imparable espíritu.

Every Little Step (Adam Del Deo)

El documental explora el increíble viaje de “A Chorus Line”, desde una ambiciosa idea hasta el fenómeno internacional. Después de 15 años de funciones continuas desde los 70 hasta los 90 y un revival en 2005, “A Chorus Line”, ha influido en varias generaciones en todo el mundo con historias muy atractivas que tocaban la realidad de los actores que preparan un show desde los castings hasta la noche del estreno.

Mugabe and the White African (Lucy Bailey, Andrew Thompson)

Esta película relata la lucha de Mike Campbell, quien en 2008 denunció por discriminación y racismo al gobierno de su país, Zimbabue, ante la Corte Internacional de la Comunidad de Desarrollo de África del Sur, debido al intento de expropiarle su granja. Realizado por los debutantes Lucy Bailey y Andrew Thompson.

Burma VJ: Reporter i et lukket land (Anders Østergaard)

Documental que se adentra en la hermética realidad de Myanmar (antigua Birmania), país del sudeste asiático, fuertemente reprimido por un gobierno militar que mantiene a su población bajo una férrea dictadura. Gracias al incuestionable trabajo de un grupo de video-periodistas, este magnífico documental nos ofrece un valioso testimonio sobre la censura informativa a la que es sometida el país a manos de sus dirigentes. Bajo la constante amenaza de ser encarcelados, e incluso arriesgando sus propias vidas, estos tenaces periodistas se proponen burlar el exhaustivo control de las fuerzas de seguridad y lograr mostrar a la sociedad internacional el horror vivido dentro del país.

Garbage Dreams (Mai Iskander)

Bienvenido a la villa de basura más grande del mundo ubicada en las afueras de El Cairo, en Egipto. Los Zaballeen (término árabe para recolectores de basura) reciclan 80% de la basura que recolectan, mucho más que otras iniciativas de reciclado. No obstante, en la actualidad, existe una corporación multinacional que amenaza su medio de subsistencia. Siga a tres adolescentes que nacieron en este negocio y se ven forzados a tomar decisiones que afectarán la supervivencia de su comunidad

Living in Emergency: Stories of Doctors Without Borders (Mark N. Hopkins)

Documenta el día a día de un grupo de médicos (“Medicos sin Frontera”) que ofrecen ayuda a las poblaciones cuya salud es amenazada por la guerra, las luchas civiles, epidemias o desastres naturales. Médicos Sin Fronteras fue fundado en 1971 por un pequeño grupo de médicos franceses decididos a responder rápida y eficazmente a las emergencias de salud pública, con total independencia de los poderes políticos, económicos o religiosos.

The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers (Judith Ehrlich, Rick Goldsmith)

Hace 38 años, cuando el analista militar Daniel Ellsberg entregó los hoy famosos "papeles del Pentágono" a The New York Times y otros diarios estadounidenses, comenzaba una de las grandes batallas por la libertad de prensa y la transparencia en el gobierno. El público estaba abrumado por las revelaciones de Ellsberg, quien se convirtió en una de las celebridades más admiradas y vilipendiadas de la nación. El gobierno del entonces presidente Richard Nixon (1969-1974) se enfureció, al punto que decidió espiarlo, incluso hurgando el consultorio de su psicoanalista en busca de apuntes. El documental muestra la impresionante entrevista privada al “hombre mas peligroso de America” Daniel Ellsberg, sobre los “documentos del pentágono”.

This Is It (Kenny Ortega)

Recopila las últimas grabaciones de Michael Jackson ensayando para su frustrada gira de regreso que planeaba concretar en el estadio O2 de Londres. En la película se podrán ver varios de los ensayos que el cantante llevó a cabo en el Staples center de Los Ángeles y en The Forum de Inglewood. “El mundo verá lo que nuestro equipo ha tenido la fortuna de vivir, que fue el compromiso total, la pasión y la creatividad que Michael puso en este proyecto. Él fue el arquitecto de This Is It, y nosotros sus constructores“, asegura Kenny Ortega director del concierto homónimo a la película.

Sergio (Greg Barker)

Sergio Vieira de Mello era un carismático, emprendedor y optimista representante de Naciones Unidas que a dedicado su vida a trabajar en pos de una solución en situaciones de genocidio, éxodos y todo tipo de conflictos. Enviado a Irak con un equipo de expertos, la misión de Sergio consistía en idear y planificar la forma en reconstruir el país y devolver la soberanía al pueblo, tarea que cumplió con gran éxito en Timor Oriental. Un ataque a la sede central de la ONU. Ubicada en Bagdad en agosto de 2003 terminó con su vida y la de otros compañeros suyos. Con sensibilidad y dureza emocional, “Sergio” rinde tributo a un hombre a través de las circunstancias de su muerte.

Soundtrack for a Revolution (Bill Guttentag)

Guttentag, quien ganó un Oscar por su documental Twin Towers (2003), dijo que fue un honor contar “esta gran historia” sobre la lucha para que los Afro Americanos pudieran obtener sus derechos y las canciones poderosas que acompañaban el movimiento. A través de entrevistas con líderes de los derechos civiles, las magníficas secuencias de las marchas, “sit-ins,” huelgas, y las detenciones, la película captura el espíritu de lucha de quienes confrontaron sin miedo al “poder.” Muestra como su movimiento de no violencia fue contrarrestado con brutalidad policiaca, y cómo eventualmente pudo “vencer.”

Capitalism: a Love Story (Michael Moore)

En su ultimo documental, el veterano director de cine Michael Moore se propone analizar el reciente colapso financiero. Su objetivo, nos sugiere, es una crítica del actual entramado económico.

Under Our Skin (Andy Abrahams Wilson)

Ahora que acabamos de sobrevivir a una epidemia y que todos esos tópicos están de moda, no está por de más un documental sobre otra enfermedad: la Enfermedad de Lyme; una enfermedad que tal vez no tiene las proporciones de la Influenza H1N1 pero que ha ido incrementando en los últimos 15 años. Lyme es una enfermedad infecciosa causada por la bacteria “Borrelia burgdorferi”, que es trasmitida por las garrapatas.

Which Way Home (Rebecca Cammisa)

El documental, que forma parte de la sección “Cine sin fronteras” de la séptima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, registra el viaje de niños mexicanos y centroamericanos quienes dejan sus casas para viajar 2,500 kilómetros por tren de carga a la frontera con los Estados Unidos. Algunos van para reunirse con sus familias allá, otros para apoyar a los que se quedan.

Critica 2012

País: Estados Unidos

Director: Roland Emmerich

Guión: Roland Emmerich, Harald Kloser

Reparto: John Cusack, Chiwetel Ejiofor, Amanda Peet, Oliver Platt, Thandie Newton…

Critica

Nota: 4/10

“We Were Warned”

Un buen acabado técnico y efectos especiales resaltantes, son fáciles de lograr, solo se necesita dinero y el mejor apoyo tecnológico. Pero conseguir que a todo esto, se le sume una buena historia (argumento), con un “verdadero” mensaje de transfondo, es caso aparte; lamentablemente “2012” carece de este ultimo componente, y se convierte automáticamente, es un mero pretexto para exhibir efectos especiales que aunque proyecten escenas catastróficas y apocalípticas, no dejan de ser virtuales e irreales. Roland Emmerich, ese peculiar director alemán, que intenta a cabo suelto destruir el mundo entero, en casi todas sus producciones, regresa en vísperas de navidad este 2009, tras habernos advertido de un aparente y catastrófico cambio climático en aquella singular tontería llamada “The Day After Tomorrow”, también recordemos, sacudió Nueva York, con su pesado amiguito “Godzilla” (Made in Japón), consiguió que Will Smith se enfrentara a los extraterrestres un 4 de julio en “Independence Day”, entre otros proyectos de la misma índole destructiva. Pues bien, el director regresa con un nuevo mensaje de los suyos: “en el 2012, se acabara el mundo”, tal disparate viene respaldado por las predicciones de la cultura Maya.

Obviando tendencias religiosas o científicas, resulta verdaderamente distintiva la actitud del público, quien comienza a preocuparse por algo que no debería. Y de esto se aprovecha el señor Emmerich para atraer espectadores. A 3 años de la supuesta catástrofe, el publico ve en “2012” una supuesta “representación” de lo “puede que suceda” en el año fijado por la cultura maya. El morbo, y la curiosidad nos llevan a las salas de cine, a visionar esta errónea e insuficiente producción. Por todo ello, nadie puede negar, que estas clases de películas no resultan entretenidas o llevaderas, o en el peor de los casos, para un público no tan exigente, películas como “2012” llegan a encantar significativamente.

“2012”, se sustenta de los efectos especiales para camuflar sus insuficiencia argumental y su carencia de originalidad. La película, es débil argumentalmente, primero y principal, porque Emmerich no expone de manera más profunda o detallada, el planteamiento de la profecía del calendario Maya, segundo porque mantiene un ritmo soportado solo por el exceso de secuencias de acción que empalagan y consiguen que el espectador “solo vea y no escuche”, tercero, porque posee diálogos simplones y huecos que no abren la brecha que propone la idea de la película, y cuarto por retratar personajes tan típicos, fáciles y ridículos que consiguen de nuestra parte un par de carcajadas, mención especial (sarcasmo), para el grandioso presidente de los Estados Unidos, quien curiosamente es negro (Danny Gloover), Emmerich en su idea de excluirse de directores y tendencias xenofóbicas, se hunde en su propio cometido, al retratarlo como un presidente suicida y débil. La película también carece de originalidad, principalmente por ser una amalgama de clichés cinematográficos del cine de catástrofes, con una trama absolutamente predecible que compone el extenuante metraje, con un final sumamente irónico e inaceptable, es imposible que el espectador se crea un final “feliz”, luego de que la mayoría de la raza humana ha sido destruida.

Entre las pocas virtudes de “2012”, encontramos, que por lo dicho al comienzo de la reseña, la película resulta llevadera y en un principio entretenida. Es de esas películas que no dejan huella, y que solo sirven para distraernos un aburrido domingo. Técnicamente es relativamente solvente, un ingenioso trabajo de creación de efectos especiales, pero la técnica del sonido (edición y mezcla) se encuentra desaprovechada.

“2012” finalmente es una película representante del cine palomitero, y de la chusca pirotecnia que nos tiene acostumbrado Hollywood. Un vil divertimiento hueco, una notable imbecilidad. Lo Mejor: Entretiene ligeramente mientras no se le examine a profundidad. Lo Peor: su excesivo metraje.

Critica SAW VI / El Juego del Miedo 6

País: Estados Unidos

Director: Kevin Greutert

Guión: Marcus Dunstan, Patrick Melton

Reparto: Tobin Bell, Costas Mandylor, Betsy Russell, Mark Rolston, Peter Outerbridge…

Critica

Nota: 2/10

“¿Te gusta la sensación de brutalidad?”

Confieso que le tengo cierta aversión a esta saga, aun así, siempre veo estas nuevas entregas o alargamientos absurdos, con el deseo frustrado de presenciar como la idea original se reivindica o toma otro rumbo mas creíble o verídico. Obviamente dicho anhelo muere tras visionar Saw VI, una película que termina de confirmar mi teoría sobre la saga (“el publico acepta todo lo que se le muestre en pantalla, por muy fachoso que sea”), y el disforme contraste: mientras mas insuficiente sea la nueva entrega, la película genera mayores ingresos en taquilla y gana mas potencia en la admiración de los espectadores y seguidores. Me imagino que esto no me ocurre solo a mí, de hecho creo que hay un número significativode espectadores, que sienten algo parecido con respecto a esta serie de películas.

Este 2009, como era de esperar regresa este filosofastro asesino psicópata, cuyas ideas y aberraciones ha encantado a medio mundo. La saga “Saw” cuya idea original era entretener y dar un nuevo rumbo al genero, se ha convertido en una escusa para alimentar el grado elevado de perversión y morbosidad, que sienten los amantes del gore por la violencia desenfrenada, gratuita y vacía (carente de antecedentes argumentales). Esto, evidentemente despierta la incentiva de los productores por llenar sus bolsillos de dinero, y el descanso y alivio de los guionistas, quienes en su estatus de autocomplacencia deciden seguir con la tomadura de pelo, ya que es más fácil asegurar el éxito económico, extendiendo hasta la obstinación esta propuesta absurda, que realizar ciertos cambios para que la saga tome otro rumbo mas favorable. Por ello las victimas en “Saw”, no son las que vemos en la gran pantalla, las victimas son los que están frente a la gran pantalla: Los Espectadores.

Cuando hablo de que la saga alimenta la morbosidad del espectador, me refiero a que la violencia o las escenas de cruda violencia, son el plato principal de estas películas. A todos nos impacta una escena fuerte o cruda, pero está debe estar respaldada con antecedentes argumentales –CREIBLES, de lo contrario se caería en lo fantasioso y perdería preponderancia.

Saw VI, se sirve del tema más fácil y pretende inyectar un mensaje de denuncia hacia las corporaciones de seguros médicos estadounidenses, algo verdaderamente irónico, para la saga “Saw”. El elenco conformado por actuaciones que rebozan lo ordinario y lo carente de naturalidad, nos ofrece una primera impresión de la ganadora del Reality Show “Scream Queens”, Tanedra Howard. Por cierto, esta primera escena o prologo, es la mas aclamada y admirada por los seguidores, obviamente por el grado de crudeza (auto desmembramiento), es decir, la película te induce con mas de lo mismo, pero mostrándote otro modo de torturar a las victimas.

Saw VI, es consustancial al espectador, como lo es la violencia al ser humano, a unos fascina a otros produce irritación. Obviando los detalles mayores (carencia del ritmo argumental y su edición ridículamente vertiginosa), Saw VI, es una película predecible, un notable atentado al renacer del genero, una película relamida y enfermiza. Una tomadura de pelo. Lo Mejor: al igual que sus antecesoras dura poco. Lo Peor: pese a las especulaciones, habrá Saw VII

Critica (500) DAYS OF SUMMER / 500 Dias juntos.

País: Estados Unidos

Director: Marc Webb

Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber

Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Grace Moretz, Matthew Gray Gubler, Clark Gregg, Patricia Belcher, Rachel Boston, Minka Kelly

Critica

Nota: 7.5/10

“NOTA DEL AUTOR: La siguiente es una obra de ficción, cualquier parecido con algún personaje vivo o muerto es mera coincidencia. Especialmente tu Jenny Beckman. Perra”. Esta frase se visualiza justo antes de los créditos iniciales. A lo que me pregunto: ¿Quién es/fue Jenny Beckman?, ya que no es ningún personaje en concreto del film; pero, acaso ¿fue la fuente de inspiración para el personaje de Summer Finn?, ¿fue la causante de todo el dolor y sufrimiento que se percibe en las líneas del argumento?, ¿fue algún desamor de Neustadter o Weber (guionistas)? la respuesta, aun es desconocida; lo que sé, y con suma certeza, es que, si efectivamente es la fuente de inspiración para el argumento, Jenny Beckman convirtió a “(500) Days of Summer”, en una película supremamente interesante, sorpresiva y luminosa. Marc Webb (director), exhibe su opera prima, y por ende, se suele decir, que es su carta de presentación. Esta primera película, nos induce en su mirada cinematográfica, el terreno que quiere cubrir, o el contexto argumental en el que quiere centrarse –y expandirse, en futuros proyectos. Analizando su opera prima, concordamos en que el director, desea centralizarse en retratar y estudiar las relaciones amorosas turbulentas y agrias, así como también, la exploración de las etapa del enamoramiento y del desenamoramiento, los cambios de actitudes del ser humano ante el amor, y la concepción de la madurez ante la perdida del ser amado. Todo esto puede sonar, a la típica película romántica Hollywoodense, pero afortunadamente, (500) Days of Summer, se diferencia de este primer grupo, por retratar este argumento, con suma destreza, autenticidad, sinceridad y veracidad.

La película cuenta la sencilla historia de Gordon-Lewit (EL), un joven que se enamora perdidamente de Summer Finn (ELLA). Pero hay un pequeño y discreto detalle que lo cambiara todo: lamentablemente ella no cree en el amor, y por ello se resiste a participar en una relación de noviazgo. Summer siente una notable atracción -¿Solo física?- hacia Tom (Gordon-Lewit), y opta por que este “vínculo o nexo”, solo sea un intercambio de momentos agradables y sensaciones agudas e intensas –entre ellas las sexuales. La película desde el primer minuto de metraje, te introduce en esta refrescante historia, y sin ningún tipo de pretensiones –lo que la hace exquisitamente sencilla- te plantea el dilema central del argumento: pasado la etapa de conocimiento y enamoramiento de estos dos personajes, y llegada la etapa del sufrimiento –debido a la separación, ¿quien es el verdadero culpable del dolor que siente Tom por la ausencia de su amada? ¿La culpable es Summer o por el contrario este sufrimiento es otra de las fases o etapas del amor o desamor? ¿Acaso enamorarse es sinónimo también de sufrimiento?

El argumento te plantea un sin fin de interrogantes, que luego Marc Webb resuelve con una brutal honestidad, logrando que una historia de amor y posterior desamor no tenga un final del todo triste. (500) Days of Summer, examina cíclicamente el proceso del amor/desamor, desde la perspectiva de la mujer y del hombre, centrándose principalmente en este ultimo, lo que la convierte en una comedia romántica accesible fortuitamente para el publico masculino.

EL: “…creció creyendo que nunca seria verdaderamente feliz, hasta el día que conociera a la indicada. Esta creencia se origina por la temprana exposición a la triste música pop británica, y a una interpretación errada de la película -El Graduado-”

Tom interpretado por un actor con un indudable talento y carisma –superando en estos atributos a Zooey Deschanel, es un joven arquitecto que no ejerce su profesión, un buen día se enamora de su nueva compañera de trabajo, Summer Finn. Tras relacionarse con está, y conocerse de manera mas profundad, descubre que tienen cierta afinidad. ELLA decide mantener una relación con EL, siempre y cuando esté, acepte sus pautas. EL deseando estar con ella acepta sin saber que dicho acuerdo lo llevara al sufrimiento. Llegada esta ultima etapa, Tom ahonda y examina los 500 días de momentos y vivencias junto a Summer, tratando de descubrir cual fue el error que origino que está se fuera de sus brazos. Lo realmente inteligente y que marca la notable diferencia de esta película con las otras del montón, es que, se retrata de manera tan sincera las etapas de dolor provocado por el alejamiento del ser amando, que todos los espectadores –todos, se identificaran con el pequeño ser, que es Tom. Esta pequeña historia gana terreno en la memoria, te hace reflexionar y dispara su discurso tanto a tu corazón como a tu cerebro. Tom -al igual que todos los que padecen este tipo de sufrimiento- experimenta la culpabilidad, luego la ansiedad, el ahogo, la amargura, seguidamente la reflexión, la madurez y finalmente el olvido. Pues tras el verano llega el otoño.

ELLA: “…desde la ruptura del matrimonio de sus padres sólo amaba dos cosas. La primera era su largo cabello negro, la segunda, lo fácil que era cortarlo sin sentir nada.”

Summer Finn, es una chica que esconde muchas cualidades. Dice no creer en el amor, luce insensible y adolorida, victima del divorcio de sus padres. Zooey Deschanel interpreta con suma exactitud este difícil personaje -ahora mismo no me imagino otra actriz en los pies de Summer, por ello pienso que tanto Joseph Gordon-Levitt como Deschanel, realizan actuaciones resaltantes, aunque esta pareja no deja huella como lo hicieran otras –Carrey y Winslet, o Johansson y Murray- en películas del mismo genero y la misma visión. Debido a los notables antecedentes, Summer decide entablar un tipo de relación con Tom no del todo normal o natural, opta por llevar las cosas con calma, y sin ningún tipo de formalidades o convencionalismos. Los días trascurren, Tom y Summer experimentan sensaciones y experiencias. Mientras va trascurriendo el tiempo, el amor que siente EL por ELLA gana terreno, mientras ELLA, se da cuenta, de que este tipo de relación, se esta convirtiendo en todo o que ella no desea para su vida. Posteriormente decide acabar con el “jueguito”, y propone que solo sean amigos. Evidentemente EL se doblega ante esta decisión tan morbosa y mezquina. ELLA decide entonces desaparecer de la vida de EL mientras este se recupera. Algo que percibo y que me parece, un punto criticable del argumento, es que, en el personaje de Summer Finn, recaen todas las culpas del sufrimiento y padecimiento de Tom. Summer se convierte en el villano o el ogro, el ser insensible que provoco tal disensión, de la visión que tenia Tom sobre el amor.

“Esta es la historia de un chico que conoce a una chica. Pero usted debe saber que NO es una historia de amor.”

Y esto es lo primordial, a conocer, antes de visionar esta película, no hay que confundirse, “(500) Days of Summer” no es una historia DE amor, es una historia SOBRE el amor, que posee un ritmo exquisito e inventivo, endulzado con la recurrente banda sonora adaptada –inolvidable las escenas de “Sweet Disposition”. Una película que funciona como una comedia romántica reflectiva, que te conmueve, te hace reír, suspirar y recordar de manera inteligente. Que nos aporta momentos magníficos y agradables. Un excelente bocado cinematográfico del género. La obra que destrona todos los caracteres estipulados por los grandes romances Hollywoodenses. Una película sencilla, carente de pretensiones, que debido a su perspicacia narrativa, a su noble y crudo discurso y a su profundo sentido de la liberación, se convierte en una producción importante y reveladora. Una película que brilla por si sola. Lo Mejor: Su aguda franqueza a la hora de retratar los problemas de las relaciones amorosas. Lo Peor: Que por su forma sea confundida como una película romántica de finales tipo “vivieron juntos para siempre”. Esto disgustaría mucho al espectador de tramas fáciles.

RICKY el niño con alas.

Quien conozca la cinematografía de François Ozon no se sorprenderá con el tema de Ricky, la película que el director francés estreno en Berlinale. La sinopsis es de antología, de tan simple: Todo empieza en una fábrica francesa, donde Kathie (Alexandra Lamy), madre soltera, se enamora de Paco (Sergi López), un obrero español que se ha unido al equipo. Es amor a primera vista y el fruto de su pasión se llama Ricky. Sin embargo, no es tan fácil vivir juntos para todos los miembros de esta familia de retales, especialmente porque Ricky es un bebé muy inusual. ¡Tiene alas como un ángel! Cuando se descubre este hecho tan peculiar, Ozon cambia completamente la narración y lleva al espectador a una montaña rusa de estilos y géneros. Desde el drama a la comedia, desde la fantasía al absurdo, el director le rompe al público cualquier expectativa. IFC Films se ha quedado con los derechos de "Ricky" y distribuirá la película en EEUU en 2010. Por los momentos podemos ver el trailer oficial de la película y las expectativas de ver en próximo año una película que pinta de interesante y curiosa. Los dejo con el trailer Alemán de la cinta:

30 Directores (Parte 2)

Parte 2

(La sección se dividirá en tres entregas, así mismo en la última de estas. se presentara un especial con los directores que ya no se encuentran entre nosotros y que dejaron huella, y la lista con las grandes promesas del cine contemporáneo)

David Lynch

Cineasta estadounidense. Amante de lo onírico, y humanizador de la fealdad a través del arte, Lynch se ha convertido en un director de culto gracias a su eclecticismo fílmico predominante. El leit motiv central de sus filmes, escara la violencia, con un tratamiento diferente, sin discursos morales entre el bien y el mal, y sin recurrir a los estereotipos del cine norteamericano, Lynch busca el camino mas difícil, el de del dialogo entre la violencia insita del ser humano y el rasgo grotesco, escatológico, que habita debajo de los convencionalismos. Lynch es el arquitecto de sueños, creando las atmósferas más recurrentes para el espectador. Al salir del cine, las imágenes flotan en la memoria fragmentaria de nuestro sueño. Maestro del surrealismo y del horror órfico. Entre su filmografía resaltan obras como: “Eraserhead / Cabeza Borrada”, “The Elephant Man / El Hombre Elefante”, “The Straight Story / Una Historia Verdadera”, “Mulholland Dr.” y “Blue Velvet / Terciopelo Azul”.

Jean-Pierre y Luc Dardenne (Hermanos Dardenne)

Cineastas Belgas, y directores en complicidad. Los hermanos se han convertido en los representantes más importantes de la cinematografía Valona. El cine de los Dardenne, gira entorno al objetivismo del efugio de auto conocimiento y beneplácito de la propia identidad. Bajo una contracción gradualmente prediseñada, su cine nos proporciona de personajes, experiencias y entornos reales. El espectador y su vestigio, es un atestiguante de esta representación de la realidad. Exponentes del minimalismo y la cámara en mano, los Dardenne, nos permite el lujo, de estar presentes en las historias de sus personajes –dramas familiares desestructurados, delincuencia como forma de vida, el influjo por el materialismo, injusticia social y la supervivencia-, sentimos el sufrimiento que los atormentan y los golpes que los inmutan. Entre su filmografía resaltan: “L’enfant / El Niño”, “Rosetta”, “La promesse / La Promesa” y “Le Fils / El Hijo”.

Pedro Almodóvar

Director español. Pedro Almodóvar puede presumir de su intachable perspicacia, y de haber creado un estilo o sello propio, que define meramente a su cine. Fiel a su patria y su idioma, Almodóvar constantemente recibe la admiración de la crítica más influyente -del campo cinematográfico, en el mundo entero. Su cine, expone la habitualidad de personajes excluidos y relegados en la sociedad, en afluencia con elementos polémicos y sugestivos, con el humor irreverente y fresco que lo define, Almodóvar se centra principalmente, en sobreexponer su deidad benevolente a la mujer y a la madre, en reiterar su crítica autobiográfica de la figura ortodoxa, en retratar los amores imposibles, el universo femenino, su contante homenaje al cine y burla a la televisión y en imponer su estilo vanguardista: colores vivos, contrastes punzantes, y la estética pop-kitsch. Entre su filmografía resaltan: “Todo sobre mi madre”, “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, “La Ley del Deseo”, “Hable con ella”, “La Mala Educación”, “Volver”, y “Los Abrazos Rotos”.

Michael Haneke

Director Austriaco. Haneke según mi criterio, es el director más intelectual e inteligente de su clase. Con un estilo siempre turbador, Haneke ha conseguido establecerse, como el director clave del cine europeo contemporáneo. Sus películas despiertan siempre el debate, la controversia y generan diversas reacciones encontradas. Se auto declara “especialista” del tratamiento de la violencia que infunde los medios de comunicación, deconstruye las estructuras narrativas para conseguir su ideal, y juega primordialmente con la mente del espectador –juego muy delicado y a mi parecer notorio; su cine opta por un tratamiento y una estética fría, por planteamientos e interrogantes de orden social, cultural y moral, y por representar fielmente la realidad vista mas allá de las tópicos sociales, debido a ello se percibe la constante ausencia de música en sus películas. Michael Haneke es un director único, digno de admiración. GRANDE demasiado GRANDE. Entre su filmografía resaltan: “Das Wisse Band / La Cinta Blanca”, “Benny's Video / El video de Benny”, “Der siebente Kontinent / El séptimo continente”, “Code Inconnu / Código desconocido”, “La Pianiste / La Pianista” y “Caché”.

Clint Eastwood

Director y actor estadounidense. Frente a las cámaras es un excelente artista, detrás de ellas, un verdadero “genio” de la dirección. El nivel y la perfección de su estilo, que ha alcanzado en los últimos años, lo ubican como uno de los realizadores más trascendentales de la actualidad. Ya a su larga edad, Eastwood posee una trayectoria intachable tanto frente como detrás de cámaras. Eastwood posee un notorio sentido de la libertad creativa, en su cine siempre las cosas se harán a su manera, su estilo ha ido evolucionando consiguiendo que su cine sea sinónimo de: una suprema sensación de intimidad de planos cerrados y líneas pausadas, sorpresas y giros argumentales, consagraciones personales y un nivel de análisis sumamente brillante. Entre su filmografía resaltan: “Million Dollar Baby”, “Unforgiven / Sin Perdón”, “Mystic River / Rio Mistico” y “Letters from Iwo Jima / Cartas desde Iwo Jima”.

Sofia Coppola

Directora estadounidense. Diga lo que se diga, Sofía Coppola es la nena que supero con creces al padre –el discípulo que supera al maestro. Para algunos, la directora representa una promesa en el campo cinematográfico, pero tal es mi admiración por su obra, y talento, que la considero la fémina prodigio por excelencia del cine actual. Con solo tres largometrajes hasta la fecha, Sofía ha conseguido consagran su estilo grandilocuente. Su cine es único y representativo, con solo pocos segundos de metraje, sabemos que estamos ante un filme de la directora. La directora se convirtió en la primera estadounidense en ser nominada al premio Oscar como “mejor director”, y consiguió la estatuilla por el guión original de su cinta “Lost in Translation”. Sofía Coppola, es una directora con un talento indudable. Entre su filmografía resaltan toda su obra: “The Virgin Suicides / Las Vírgenes Suicidas”, “Lost in Translation / Perdidos en Tokyo” y “Marie Antoinette”.

Stephen Daldry

Director británico. Daldry se ha convertido en uno de los directores más exquisitos del cine actual, sus tres películas hasta la fecha, han sido nominadas al Oscar, incluyendo en la categoría de “mejor director”. Aunque esta casado actualmente y ama a su esposa, es abiertamente homosexual. Su cine es sinónimo de profundidad y poesía. Daldry ha conseguido que la crítica se revele a su favor, y el espectador se enamore de su obra. Cada uno de sus estrenos despierta un grado de expectativa y admiración que siempre son cumplidas, tanto por el público como por la crítica. Entre su filmografía resaltan todas su obra: “Billy Elliot”, “The Hours / Las Horas” y “The Reader / El Lector”.

Isabel Coixet

Directora española. Coixet se destaca desde sus indicios en el cine, por su actitud multifacética, por su indiscutible talento y por las ganas de hacer cine que germina desde el alma. Coixet pertenece al pequeño grupo de “mujeres en la dirección”. Con su personal estilo a la hora de contar historias y planearlas visual y estéticamente, Coixet se ha consagrado como la directora española más importante del momento, consiguiendo también el agrado y la reverencia de la crítica extranjera. Representante del sentimentalismo y la radiografía de los sentimientos. Magistral Coixet. Entre su filmografía resaltan: “Cosas que nunca te dije”, “A los que aman”, “My Life Without Me / Mi vida sin mi” y “The Secret Life of Words / La vida secreta de las palabras”.

Hirokazu Koreeda

Director japonés. Koreeda o Kore-eda (como también se le conoce), es uno de los realizadores mas interesantes del cine japonés. Su cine austero pero apasionante y conmovedor, denota una capacidad de observación increíble en los temas tratados, tanto que ha sido comparado con el documentalista. El desamparo, la familia, la venganza y la soledad, son algunos de los temas tratados con extrema sensibilidad en sus filmes. Sus dramas son sinónimos y ejemplos de vida de cotidianidad, viajes emocionantes, reales, vitalistas y reflectivos sobre todo aquello que nos envuelve, la vida. Un autor sensible, arriesgado e imprevisible del cine mundial. Grandioso. Entre su filmografía resaltan: “Dare mo shiranai / Nadie Sabe”, “Wandafuru raifu / Antes de la Vida” y “Hana yori mo naho”.

Roman Polanski

Director franco-polaco. Ni su controversial vida privada, ha permitido que Polanski se aleje de la dirección. Polanski es uno de los directores imprescindibles del cine contemporáneo. Creador de atmósferas e intrigas, atormentado por los horrores de la segunda guerra mundial, plantea en su obra, un juego de sentimientos, ideas y repulsiones en generar, consiguiendo los elogios de la crítica y el público. Su enorme capacidad de riesgo le ha servido para involucrarse en proyectos sumamente delicados. Un director que aun dará mucho de que hablar. Entre su filmografía resaltan: “Repulsión”, “Rosemary's Baby / La Semilla del Diablo”, “Chinatown”, “Tess” y “The Pianist / El Pianista”.

LAS WEBSITES DEL 2009

Ya se puede encontrar por la web, los diferentes sitios oficiales, de las producciones mas representativas e importantes del presente año, mientras esperamos ansiosos a que lleguen a las salas de nuestras ciudades, podemos ir indagando en las websites: el contenido media, la galería, algunas descargas, los trailers oficiales, los reviews y la bandas sonoras. A continuación, algunas del las websites (click sobre las imágenes) :

Películas de habla inglesa

Películas de habla no inglesa

Películas animadas

Recomendación del blog.

Película recomendada: Whisky

País: Uruguay

Año: 2004

Director: Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll

Guión: Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll, Gonzalo Delgado

(TRAILER)

Sinopsis: Montevideo, Uruguay. Jacobo Köller es el dueño de una modesta fábrica de medias y eso parece ser lo único en su vida monótona. Marta es su empleada de confianza. La relación entre ellos nunca excede lo laboral y está marcada por el silencio y la rutina. Esta monotonía se ve súbitamente amenazada por el anuncio de una inesperada visita del hermano de Jacobo, Herman, residente en el extranjero, con quien no parece tener contacto desde hace años. “Whisky” comienza cuando Jacobo se permite pedirle ayuda a Marta para sobrellevar la situación. Así, desde un código entre el absurdo y la melancolía, entre lo cotidiano y lo fabulesco, la película intenta retratar sutilmente cómo la torpeza y las pequeñas miserias de estos tres personajes tan distintos entre sí, se van evidenciando mientras intentan disimular resentimientos y asperezas. Una historia contada a través de detalles pequeños y trivialidades. Tres personalidades aparentemente inofensivas. Tres clases de soledad.

Opinión personal:

Whisky, como sabemos es una bebida alcohólica, pero además, es la expresión que te hacen decir en Sudamérica cuando van a retratarte. De este modo, esta película, es una alegoría, de dos personajes que apenas ríen, solo exclusivamente lo hacen cuando se toman una fotografía. Whisky, profundiza la vida de aquellas personas que se han acostumbrado a una sombría vida, provista de dolorosa monotonía. La película Uruguaya opta por una estética estrictamente minimalista, en donde los planos largos sacuden y aportan un estado de realismo inminente. El hieratismo previamente formulado de las actuaciones, origina que estemos ante un filme sumamente exquisito, y relevante; película que plasma con exactitud el gran numero de tiempos muertos que componen la existencia de los personajes. Aunándole la buena dosis de humor que aporta un tercer ente en la trama, que plasma su tenue luz, sobre esta soberbia y asombrosamente triste película. Whisky es ante todo un logro cinematográfico, debido a su conmovedora y recurrente puesta en escena, la vehemencia expresiva de la fotografía, en donde los espacios ejemplifican con lealtad, a los personajes que los habitan. Altamente recomendable. No se la pierda.

Disco recomendado: Air – Love 2

Sigo afirmando que lo bueno se hace esperar, Air regresa con un sonido noble y sin pretensiones, abre tus oídos, siente y vive amor, prepara nuevamente tu cuerpo para una dosis de buena vibra sonora, el placebo está servido y es LOVE 2. Dunckel y Godin dejaron atrás la manera en que venían haciendo las cosas, reinvención es un ingrediente requerido en los grandes artistas y mis queridos franceses no quedaron atrás con esto, ahora renacen deseando tomar las riendas totales de su talento creativo y así marcar una independencia fuerte en todos los elementos artísticos, su productor habitual Nigel Godrich (Radiohead) no fue necesario, en manos de ellos quedo la producción, la disquera que los había acompañado en su discografía también quedo atrás, en este trabajo estrenan sello disquero propio ATLAS ESTUDIO. LOVE 2 es un álbum impresionante en donde los artistas se zafan de la presión de las masas sedientas de buscar más de lo mismo, enseñando que se pude dar vuelta a las cosas y sobre todo marcar una independencia que amplifique su estilo único. Air se reinventa sin perder su esencia, se siente un impulso nuevo en su sonido, los aires, las atmosferas, todo…!, es magnifico como la música hace vibrar tu esencia transportándola a un ambiente en donde la expansiva melancolía a la que nos tenían acostumbrada queda rezagada y solo dan rienda suelta a la celebración. Love2 es felicidad concentrada; el sonido de esta obra se debe a la profundización del arsenal de equipos electrónicos vintage de estos músicos, el aspecto creativo para su realización no fue pensado obsesivamente, solo se cansaron de tocar lo mismo en sus conciertos, esto los llevó a parir la idea, simplemente la fuerza de sus canciones se sobrepone a ellos mismos, las letras hablan del amor y sus consecuencias. Air toca ese lado que esta contaminado por violencia cotidiana, te saca de la rutina circundante, te hace cerrar los ojos, sonreír, abrir los brazos y dejarte llevar, haciéndote volar apreciando los detalles que pasabas desapercibidos, la vida es como tu quieres verla y LOVE 2 te permite ampliar tu espectro visual, así formará parte de tu banda sonora personal para todos los buenos momentos que te esperan. La atmósfera sigue siendo el foco principal, desde el primer track te arrastra sin soltarte, es irresistible, es dulce evitando empalagar, acá se quiere hacer vivir amor, sin perder el toque erótico, pícaro e irónico de trabajo anteriores

Air presenta nuevamente su sonido único y exclusivo sumándole sofisticación y sentimentalismo, Abre tus sentidos y entrégate a la esencia máxima desacerbada de la estimulación atmosférica. LOVE 2…!

Bergier Allan Fuentes Parra

Escena recomendada.

Durante esta secuencia en “La Habitación del hijo”, el espectador sabe de forma no tan intuitiva que la película llega a su final, pero no la historia, el dolor por la perdida de un hijo, y un hermano que acompaña a los protagonista, permanece allí junto a ellos y los acompañara por el resto de sus días. Ellos y el dolor seguirán parados en ese río –la vida, bajo un cielo que parece estar cayendo constantemente. Inolvidable escena y absorto final. Aprovecho la oportunidad, para recomendar esta película. Una joya maestra del género.

LARS VON TRIER, escribirá y dirigirá ciencia ficción

Luego de que el director danés, presentara su polémica e incomprendida visión, sobre el terror en “Antichrist”, y se autoproclamara “mejor director del mundo”, se centrara en un nuevo proyecto, que lo sumergirá en un género hasta ahora inexplorado por él, la ciencia ficción. La película se titulara “MELANCHOLIA”, un drama con desastre psicológico. El titulo esta referido al Planeta Melancholia, un enorme planeta que se avecinara amenazadoramente a la tierra. Esta -según palabras del director, será una película de desastre, con efectos especiales, pero nada a lo visto en Hollywood. Von Trier en sus declaraciones, ha dado pocos detalles sobre el film, a excepción de una clara premisa: “NO MÁS FINALES FELICES”, a lo que yo me pregunto, ¿qué película de este director es completamente alegre? Ya se empieza a especular, que el director de moverá en el mismo territorio que Roland Emmerich (“2012”), la misma parafernalia con la esencia y la visión del director. Peter Aalbaek Jensen, amigo y socio de Von Trier en la productora “Zentropa”, ha prometido un collage de imágenes espectaculares de la cinta, con el cine cámara en mano, típico al movimiento Dogma. La película que cuenta con el guión escrito por el mismo director, contara con un presupuesto de 5 millones de euros, y comenzara su rodaje en ingles el próximo verano en Alemania y Suecia, su estreno se estima en la selección oficial del Festival de Cannes de 2011.

Von Trier, fiel a su hiperactiva creatividad, vuelve a poner a sus seguidores a la espera y expectativa de sus futuros proyectos, desde ya “Melancholia”, junto a “Wasington” (ultima parte de la trilogía "americana" llamada "USA Land of Opportunities"); es una de las películas mas esperadas de los próximos años.

30 Directores (Parte 1)

Aunque no pueda mitificarse –ya que el cine es una labor colectiva. El director o realizador cinematográfico, es la persona que mas se involucra en el proyecto, es el que gobierna democráticamente la producción. Cada realizador tiene en sus manos, un gran peso: el de participar, coordinar, dictar y dirigir cada uno de los proyectos en el que se involucra. Desde trabajar previamente -al rodaje, en la intervención del guión técnico, encuadres, planos, angulación, movimientos de cámara, selección de los actores y demás equipo técnico, hasta la redacción final del guión, dirigir a los actores, supervisar los componentes técnicos (decorados, vestuarios) y correcciones de las líneas del guión.

El director cinematográfico debe estar preparado para cumplir satisfactoriamente su cometido, y debe poseer actitudes y destrezas para que su trabajo sea optimo y bien aceptado por el publico. Existen muchos directores de cine hoy en día, así como muchos estilos cinematográficos que van a saciar a un publico estrictamente heterogéneo o desigual. Pero, ¿Cómo decidir quien es mejor o peor que otro?, ¿Quiénes son realmente los mejores directores de la actualidad?, estas son dos interrogantes casi imposibles de resolver, pienso que todo viene arraigado a la multitud de gustos y preferencias del publico, de resolver estas interrogantes debe realizarse bajo una opinión estrictamente subjetiva, por ello no creo en lo absoluto, en las listas que deambulan en la web y en las revistas mas importantes del mundo (TIME, TOTAL FILM, ENTERTAINMENT WEEKLY), que jerarquizan a los mejores directores de cine de la historia. Cada espectador es diferente y se deja conquistar por obras diferentes, no hay punto de comparación, de eso se trata el cine.

Como la presente lista, que se plantea realizar, es precisamente SUBJETIVA, considero oportuno explicar el porque de la existencia de los presentes 30 realizadores en esta nueva entrega “30 principales”.

Hay espectadores que consideran que el cine de terror es entretenimiento, otros piensas que lo es el cine dramático o la ciencia ficción o el de acción, todo va vinculado a lo que nos entretenga y deslumbre –que no se confundan estos términos con “diversión o distracción”, pues bien, considero que una película es entretenida y deslumbrante cuando desafía la mente y los contextos del espectador, cuando rompe las barreras de lo antes expuesto, cuando te hace pensar analizar y reflexionar, cuando te sumerge entre su propuesta, cuando cuenta algo provocador y filosóficamente estimulante, pero sobretodo algo verídico, cuando habla de la vida. Me siento satisfecho cuando al salir de la sala de proyección la película aun vive en mí, aun se encuentra en mi mente, y me roba noches enteras de sueño. Me inclino mucho por le cine de autor y el cine intelectual, pero sobretodo defiendo las producciones en donde el silencio y el entorno dicen mas que las líneas del argumento. Cuando una película me impacta y me satisface, doy gracias principalmente a su realizador, y de inmediato comienzo a indagar en su filmografía y su perfil como realizador. Ya con muchos años, visionando e indagando, puedo designar con suma certeza y claridad, los 30 directores que hicieron que amara el cine, y estos directores sin ningún orden en específico son:

Parte 1

(La sección se dividirá en tres entregas, así mismo en la última de estas. se presentara un especial con los directores que ya no se encuentran entre nosotros y que dejaron huella, y la lista con las grandes promesas del cine contemporáneo)

Nuri Bilge Ceylan

Director, escritor, actor y fotógrafo Turco, exponente del cine personal y de altas proporciones. Cada una de sus películas expone la tristeza desdramatizada de la vida cotidiana, contrastada con la fotografía –ente protagonista, que define la ambigüedad de los parajes de sus historias. Cada fotograma es su lienzo, en donde el artista (Ceylan) plasma su maestría cinematográfica. Director infravalorado, y desconocido por muchos. Aprovecho la oportunidad para rescatar y recomendar toda su filmografía, ya que cada una de sus películas nos aporta una experiencia diferente, en donde el espectador observa através de los ojos de los personajes, la grandeza de uno de los prodigios actuales que filman en formato digital de alta definición. Entre su filmografía resaltan obras como: “Uzak / Lejano”, “Iklimler / Los Climas”, “Kasaba / El Pueblo” y “Üç Maymun / Tres Monos”.

Ken Loach

Cineasta del Reino Unido. Pese al discurso de sus detractores, Loach es dueño de un estilo depurado y sintético. Como heredero inequívoco de las principales tendencias de cine realista de Europa y en mayor medida del cine independiente que se caracterizaba por su realismo, su inconformismo social, su crítica a la burguesía y a la sociedad, y su acercamiento a los seres anónimos de la misma, o su sentido del humor y con sus historias sacude las conciencias de la sociedad contemporánea con el fin de mejorar sustancialmente las condiciones de la clase trabajadora. Tramas realistas, con un fuerte mensaje de transfondo, un cine de buenas proporciones e intenciones. Entre su filmografía resaltan obras como: “Sweet Sixteen / Felices dieciséis”, “Ae Fond Kiss / Sólo un beso”, “Hidden Agenda / Agenda Oculta” y “Land and Freedom / Tierra y Libertad”.

Samira Makhmalbaf

Directora iraní. Es la hija de uno de los directores más importantes de su país. A sus 32 años ha construido un sólido discurso compuesto ya por cuatro largometrajes tan anclados en la realidad como metafóricos. Samira Makhmalbaf proviene de un país donde la censura es especialmente fuerte. Sumido en una profunda creencia musulmana, Convencida de que las presiones políticas, el terrorismo y las guerras le dan energía para expresarse, la joven realizadora se considera una artista universal que quiere construir un mensaje "que se pueda transponer a todos los seres humanos". Otro interesante caso en donde el hijo supera al padre, o el alumno al maestro. Entre su filmografía resaltan obras como: “Sib / La Manzana”, “Takhté Siah / La Pizarra” y “Panj é asr / A las cinco de la tarde”.

Paúl Thomas Anderson

Director y escritor de cine estadounidense. Partidario de las películas con repartos corales e historias entrelazadas de una elevada complejidad. Su cine trata temas tan diversos como excitantes, las relaciones familiares, el destino, la predestinación amorosa y el papel de los medios de comunicación en la vida actual. Anderson, desarrolla las interconexiones entre los personajes de una manera imprevisible y algunas veces caótica. Anderson es un director con maña, destreza y habilidad, su cine posee un sello característico y que muchos tratan de imitar. Anderson suele utilizar pocos cortes, dependiendo, de esta manera, fuertemente de los travelings (como ocurre en el comienzo de Boogie Nights, que dura aproximadamente tres minutos sin un sol o corte) y a menudo utilizando el sonido y la música de manera enfática. Pese a su corta edad y su escasa filmografía, Anderson ya figura en la lista de los grandes realizadores, y afortunadamente lo es. Entre su filmografía resaltan obras como: “Boogie Nights”, ”Magnolia” y “There will be blood / Pozos de ambición”.

Todd Solondz

Director y escritor estadounidense. Es uno de los directores más controvertidos del planeta, debido a la sinceridad de sus películas, desprovistas de tabúes y negativas, por ello es uno de los directores más señalados y criticados por los medios. Su aclamada y también odiada manera de dirigir, le permite mostrar la realidad de una sociedad podrida de manera cruda pero digerible para el espectador, obviamente trata temas tan fuertes y extremos como el homicidio, la pederastia y el caos personal sin ser odiado en su totalidad. Su cine es una constante búsqueda de enfoque y exploración de los mitos de la sociedad americana, Solondz es un realizador revolucionario del cine independiente, cuya obra se encuentra presente desde la década del 90. Incomprendido y subestimado. Un excelente realizador. Entre su filmografía resaltan obras como: “Happiness”, “Palindromes / Palíndromos” y “Storytelling / Cosas que no se olvidan”.

Abbas Kiarostami

Cineasta y fotógrafo iraní. Kiarostami se ha consagrado como uno de los directores mas influyentes –para mi es el mas influyente, y controvertidos del Irán posrevolucionario. Así como uno de los directores más importantes y respetados de la comunidad cinematográfica internacional. El cine de Kiarostami se ha caracterizado por colocar al especta­dor en una situa­ción de incertidumbre, un juego de espejos que algunos críti­cos han identificado como “cine dentro del cine”. Sus películas están cargadas de simbología y metáforas, que entronca con la cultura persa. Kiarostami siempre nos habla de la profunda incomunica­ción y la soledad de sus personajes. En su cine, no sólo es importante la composición de los encuadres para representar esa soledad casi metafísica, sino también el uso del sonido como forma de darle profundidad a la imagen fílmica bidimensional. Especial­mente es destacable el uso alternado de música y silencio para lograr esa atmósfera de “aislamiento”, tan característica de su cine. GRANDE demasiado GRANDE. Entre su filmografía resaltan obras como: “Khane-ye Doust Kodjast / Donde esta la casa de mi amigo”, “Nema-ye Nazdik / Primer Plano”, “Zendegi va digar hich / Y la vida continua”, “Ta'm e guilass / El sabor de las cerezas” y “Bad ma ra khahad bord / El viento nos llevara”.

Alejandro González Iñárritu

Cineasta mexicano. Con tan solo tres producciones, Iñárritu figura entre los nombres más reconocidos y alabados de la cinematografía mundial. El director destaca por su particular tratamiento sobre los choques emocionales y las historias cruzadas. Salto a la fama gracias a su opera prima que fue reconocida y aplaudida en los cuatro rincones del planeta. De inmediato grandes actores como “Sean Penn” y “Cate Blanchett” declararon querer trabajar con el director. Junto a su ex habitual guionista (Guillermo Arriaga), creo una de las mejores trilogías existentes, “la trilogía del dolor”, obras aplaudidas y homenajeadas en todo el planeta. El máximo exponente mexicano. Hay que reconocer la portentosa brillantez de este director, a la hora de dirigir sus complejas e impactares películas. Entre su filmografía resaltan todas sus películas hasta la fecha: “Amores Perros”, “21 Grams / 21 Gramos” y “Babel”.

Jim Jarmusch

Director y escritor estadounidense. El padre del cine independiente y por ende fiel a este. Jarmusch puede presumir que haber encontrado un lenguaje propio y que ha ido evolucionando en su cine. Adorador de los momentos no dramáticos de la vida, esas pausas entre acción y acción que otros directores obviarían, tiempos muertos en la existencias de personajes que viven en un continuo tiempo muerto, perdedores consientes de su estado, que buscan sin demasiado aliento su lugar en el mundo. La cámara de Jarmusch muestra sin trampas, la verdadera existencia y punto de vista de la vida al espectador. El cine real, el director real la vida real en su cine. Tan real que por momentos resulta surrealista. Entre su filmografía resaltan: “Stranger than Paradise / Extraños en el Paraíso”, “Down by Law / Bajo el peso de la ley”, “Broken Flowers / Flores Rotas” y “Coffee and Cigarettes / Café y cigarrillos”.

Lars Von Trier

Cineasta, escritor y actor danés. Tras una turbadora e inusual infancia Lars Von Trier se establece como uno de los cineastas más significativo e importantes de la historia. Von Trier recalca por su fuerte notabilidad creativa, sorprende e innova en todas sus películas llegando a crear un subgénero propio –cine dogma, es un realizador hiperactivo hasta la extenuación. Aunque su personalidad se ve afectaba por fuertes problemas psicológicos, Von Trier puede presumir de su notable grandeza. Famoso por sus excentricidades y fobias, es un continuo generador de proyectos audiovisuales, que goza de una envidiable libertad creativa que adorna todas sus propuestas. Entre su filmografía resaltan: “Europa”, “Breaking The Waves / Rompiendo las Olas”, “Idioterne / Los Idiotas” y “Dogville”.

Nanni Moretti

Director, escritor y actor Italiano. Cineasta de culto dentro y fuera de su país. Moretti se ha convertido en un director emblemático de la izquierda italiana, desde los años ochenta sus producciones se han ocupado en mostrar la realidad de un país de manera ajena a las normas. Su obra es abierta, he incorpora toda clase de fragmentos discontinuos que van desde comentario de la actualidad hasta elementos surrealistas. Un excelente realizador con un gran legado cinematográfico a sus espaldas. Entre su filmografía resaltan: “La messa é finita / La misa ha terminado”, “La stanza del figlio / La habitación del hijo”, “Aprile / Abril” y “Caro Diario / Querido Diario”.

Critica INGLOURIOUS BASTERDS / Bastardos sin gloria

País: Estados Unidos

Director: Quentin Tarantino

Guión: Quentin Tarantino

Reparto: Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender…

Critica

Nota: 7.5/10

“Nos dedicamos a la matanza de nazis, y el negocio, va viento en popa.”, es la consigna de un grupo de comando americano, conocido como “los Bastardos”, consagrados por sembrar el terror entre las tropas alemanas; liderado por un Bard Pitt mas que estrafalario -¿alter ego de Tarantino?- y maniático. “Inglourious Basterds”, basada en la diégesis bélica argumental, sobre la segunda guerra mundial, pretende principalmente, entretener, recrear esta historia y sumergirnos en ella de manera delirante, divertida e irracional. Además esta obra –bastarda, consigue que el público se regodee de los hechos –pasados- que marcaron la historia universal. Tal idea tan paradójica, indiscutiblemente debe provenir de un “individuo” sumamente singular; hablo obviamente de Quentin Tarantino, aquel director altamente excéntrico, risible, fachoso y extravagante; director que ha sabido ganarse –gracias a su estilo- un público que lo admira y lo sigue fervorosamente –no me incluyo dentro del rango. Aunque ha tenido sus recomendables producciones (“Pulp Fiction” y “Reservoir Dogs”), es un director que no me convence del todo, siempre he dudado de su estilo y su visión sobre el cine -hasta ahora, aun así, es incorrecto no asumir que “Inglourious Basterds” me convenció y encuentro en ella, una excelente película. Solo a Tarantino se le ocurre tan distinguida locura, él se basa en una historia real -segunda guerra mundial, ocupación nazi en Francia-, y le introduce situaciones ficticias (contexto irreal), todo esto aunando o aderezado con su estilo particular e irreverente, da como resultado una película inclasificable, sumamente original, humorística y audaz, acida demasiado acida; “la gran masturbación de Tarantino”. Dividida –edición fragmentada, en capítulos, nos proporciona de un prologo impresionante, una exacta –pese a su supuesta lentitud- introducción, al festín y pastiche cinematográfico que estamos por apreciar. Diálogos largos y secuencias pausadas, pueden que enfade al espectador que desea más acción, pero proporcionan una atmosfera aun más sólida para los buenos amantes de la palabra y una consistente representación de que Tarantino además de poseer su irreverente estilo cinematográfico, posee un particular y delirante estilo narrativo, representado principalmente por el humor negro y diálogos verborreicos. Los capítulos fragmentados debido a su contenido –unos más sugestivos e interesantes que otros gracias al clímax-, resultan desiguales, pero todo esto debido a las múltiples historias que se cuentan y que se encontraran en el desenlace, en donde se recupera el brillo y la satisfacción que aportan los primeros 40 minutos de metraje, que por cierto me resulta excesivo y exasperante. Personajes excéntricos componen esta anormal trama, la cara “bonita” y atrayente para el publico es indiscutiblemente Brad Pitt, con una voz -y un acento- mas que postizo y sobreactuado, producen que no me crea para nada su personificación, incluso cuando se que su personaje esta basado y debe representar a un ser estrambótico. Al rescate del elenco en donde las actuaciones resultan convincentes pero no del todo magistrales, reluce el asombroso, impredecible y magnifico Christoph Waltz; Col. Hans Landa es el personaje perfecto para él, y Waltz es el actor perfecto para personificarlo. Tal es su magistral actuación, que durante sus momentos en pantalla la película alcanza niveles sumamente elevados, debido a lo singular, atrayente e impredecible de su personaje y la manera como Waltz lo eleva y resalta. Sobre el apartado técnico, hay que realizar una mención particular para el diseño artístico (escenografia), el diseño de vestuario y la fotografía. Técnicamente es una película satisfactoria. “Inglourious Basterds” me sorprendió, jamás creí que me divertiría tanto visionando algo de Tarantino, me encanta cuando esto sucede, cuando tus propias convicciones se trasmutan, originando que me interese por futuros proyectos de un director que anteriormente nunca logro convencerme. “Inglourious Basterds” es de esas películas que sin dejar de ser inteligentes, divierten a lo grande, con sus exquisitos diálogos y situaciones, proporcionan un buen sabor de boca. Una película única. Una grata sorpresa. Lo Mejor: Tarantino después de mucho tiempo me convence. Lo Peor: Un metraje excesivo y exasperante.

Se aceptan sugerencias...¡