KUBRICK amazing animation

Awardsdaily: Una potente animación acerca de Stanley Kubrick,  remezclando cada una de sus películas y su interpretación a través del color, la tipografía, los patrones y los símbolos. 

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CANNES 2011 SECCIÓN OFICIAL: “L’Apollonide – Souvenirs de la maison close” de Bertrand Bonello (Francia)

El veterano Bertrand Bonello aspira a repetir la controversia de "Le pornographe" y "De la guerre" con "L'apollonide (Souvenirs de la maison close)" ("House of tolerance"), un drama histórico cuyo reparto capitanean la francesa Adele Haenel ("Los diablos") y la italiana Jasmine Trinca ("La habitación del hijo").

L’Apollonide – Souvenirs de la maison close

Premiere mundial en la sección oficial a concurso del Festival de Cannes 2011. Será, junto a "Pater" de Alain Cavalier, "Le gamin au vélo" de los hermanos Dardenne y "Polisse" de Maïwenn Le Besco, una de las cuatro representantes de la industria francesa en la competición del certamen, donde Bonello ya aspiró a la Palma de Oro en 2003 con "Tiresia".

¿Quién  dirige?

Bertrand Bonello, director de cine francés, con formación en la música clásica.                Su trabajo se ha asociado con el New French Extremity. Gano el premio FIPRESCI en el 2001 por la polémica “La Pornographe”.

¿De qué va?

Albores del siglo XX. En un burdel parisino, una prostituta es desfigurada por un cliente, marcada para siempre con una trágica sonrisa. Alrededor de esta "mujer sonriente" (imposible no pensar en el clásico de Paul Leni protagonizado por Conrad Veidt) se desenvuelven las vidas, rivalidades, miedos, gozos y sufrimientos de otras jóvenes que viven ajenas al mundo exterior en esta "casa cerrada". Hafzia Herzi ("Cuscús"), Céline Sallette ("Más allá de la vida") y Noémie Lvovsky ("Actrices") completan el elenco de actrices.

¿Qué puede conseguir?

Bonello irradia en sus filmes suma crudeza poética. Sus desnudos y escenas sexuales explicitas jugando en conjunto con el polémico tratamiento argumental, conforman una combinación que suele gustar mucho en la croisette.  “L’Apollonide – Souvenirs de la maison close” promete ser una de las grandes sorpresas del festival. 

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CANNES 2011 SECCIÓN OFICIAL: “Ishimei (Hara-Kiri : Death of a Samurai)” de Takashi Miike (Japón)

"Hara-kiri: Death of a Samurai" ("Ichimei"), imprevisible remake de una de las obras maestras de Masaki Kobayashi ("Seppuku", Premio Especial del Jurado en Cannes 1963), se convertirá en la primera película en formato 3D que compite en la sección oficial del Festival de Cannes. ¿Su responsable? El prolífico cineasta japonés Takashi Miike.

Ishimei (Hara-Kiri : Death of a Samurai)

Ebizô Ichikawa, Koji Yakusho y Eita encabezan el reparto de esta nueva adaptación de la novela de Yasuhiko Takiguchi, que se presenta oficialmente en competición por la presiada palma de oro 2011.

¿Quién  dirige?

Takashi Miike, director japonés prolífico y controvertido; ha dirigido más de setenta producciones teatrales, de video y televisivas desde su début en 1991. En los años 2001 y 2002 solamente, Miike estuvo acreditado por dirigir quince producciones. Las primeras películas de Miike fueron producciones para la televisión, pero también comenzó a trabajar en varias películas de V-Cinema directas a video (éstas, supuestamente fueron financiadas por operaciones de lavado de dinero de los yakuza, aunque nunca se ha tenido pruebas concretas de esto). Miike todavía dirige producciones de V-Cinema intermitentemente debido a la libertad creativa que da la baja censura del medio y la permisividad de los productores con cintas arriesgadas. Se cree que el debut teatral de Miike fue con Shinjuku Triad Society (1995), pero su película Daisan no gokudô había estado en los cines algunos meses antes.1 Sin embargo el primer lanzamiento teatral que ganó atención pública, fue el de Shinjuku Triad Society. Esta película mostraba su estilo extremo y los temas recurrentes en sus producciones. El éxito de ésta película le dio la libertad de trabajar en películas con presupuesto más alto. Shinjuku Triad Society también fue la primera película de lo que se conoce como, su "Trilogía de la sociedad negra", que también incluye Rainy Dog (1997) y Ley Lines (1999). La popularidad le llegó en 2000 con la película romántica de terror Audition (Ôdishon) (1999), y su película sobre yakuzas Dead or Alive (1999), la cual fue presentada en festivales internacionales. Déspues de eso fue ganando seguidores de culto en Occidente, que han aumentado con los lanzamientos en DVD de sus trabajos.

¿De qué va?

En el siglo XVII, durante el período Edo, con el shogun Tokugawa en el poder, el veterano samurai Hanshiro Tsugumo intenta superar el colapso de su clan. Sin empleo, se presenta en la mansión de Lord Iyi, al que solicita permiso para cometer seppuku. Aunque recibe el beneplácito del daimyo del clan Iyi, Tsugumo ruega narrar su historia, un relato que arrojará luz sobre su decisión. En realidad, Tsugumo no pretende asumir tan drástica elección, sino que busca venganza contra el hombre que deshonró a su hijo, al que forzaron a abrirse el vientre con una hoja de bambú sin afilar.

¿Qué puede conseguir?

Es imposible predecir el resultado de una obra como esta en Cannes, sólo queda esperar por la reacción de la crítica para ir concretando pronósticos. 

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CANNES 2011: Primer póster oficial de "Sleeping Beauty"

Click sobre la imagen para ampliar y ver el póster. 

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CANNES 2011: IMPACTANTES nuevas imágenes de "Melancholia".

La película tendrá su premiere en el marco de la sección oficial a concurso del Festival de Cannes. Podéis rescatar su trailer aquí. Por otro lado, recordamos que Lars Von Trier avanzó hace unas semanas los primeros detalles del que podría ser su nuevo proyecto, "The Nymphomaniac".

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Critica AÑO BISIESTO

Titulo: Año Bisiesto

Director: Michael Rowe

País: México

Genero: Drama

Guión: Lucia Carreras, Michael Rowe

Fotografía: Juan Manuel Sepulveda

Música:

Reparto: Ariane Labed, Giorgos Lanthimos, Vangelis Mourikis, Evangelia Randou

Sinopsis Laura (Mónica del Carmen), una chica de Oaxaca que ha emigrado a la capital, vive sola en un modesto departamento, en el que trabaja como colaboradora para una editorial. Al margen de su trabajo, recibe esporádicamente la visita de su hermano menor y mantiene furtivos encuentros sexuales con amantes de una sola noche. Cierto día conoce a Arturo (Gustavo Sánchez Parra), un hombre que despierta en ella irrefrenables deseos masoquistas

Trailer: Año Bisiesto

La primera vez que una película me sugirió algo más que divertimento o sano pasatiempo, fue luego de haber visto Le feu follet de Louis Mall. Era muy chico y la verdad no estaba segura de haber presenciado una historia —o la estructura común de la mediocre idea que tenia de lo que era el cine—, sino más bien una sucesión de imágenes asombrosas,  y  la extraña pero duradera  sensación —casi palpable— de que lo que veía se quedaría dentro de mí por largo tiempo. Sin embargo tuve que verla nuevamente para percatarme de que sus imágenes no sólo eran distintivas a las de otras películas, sino que trasmitían un sentimiento inquietante y contaban lo que hasta ese momento, pensaba, era imposible retratar en una película. Su confluencia ejemplar  entre el exilio nihilista y el lirismo poético, me producía una extraña sensación que hoy recuerdo como apoteósica; realmente una obra maestra aquella primera película que me indico el camino hacia donde ver. Posteriormente me entere que otros títulos abordaban con esta misma estela, temas tan recurrentes como imposibles  en el séptimo arte «el cine sin cine». Tras indagar y visionar infinidad de títulos novedosos y profundos que hicieron que amara más este arte, llegue a la conclusión de que el cine no tenia limites, y era el medio de expresión mas libre, integro, autentico y autónomo que tenia el hombre para retratar todo aquello que jamás pudo ser explicado en palabras. Aun sabiendo que no había visto ni el 1% del todo este buen cine, me embarque en la aventura de ir explorando y analizando todas estas obras cinematográficas que indudablemente dejan huella en el espectador y que han venido a suponer el punto limítrofe de la idea mediática, absurda  y vacía de lo que significaba y significa el cine de hoy en día: mero divertimiento autocomplaciente, dotado de inhumanos mensajes subliminales, en pro del enriquecimiento del oscuro plebeyaje monopolizador hollywoodense. Esta anécdota forma parte de la breve historia que me ha traído a crear este blog, e ir plasmando todo lo que produce en mí estas películas. Al trascurrir todos estos años, evidentemente —cómo suele suceder con todo espectador— el ojo se va agudizando y la perspectiva analítica se va dilatando, hasta el punto de crear en si mismo ciertas ideas de percepción o ideas intuitivas, entre la que destacan, que hay que asumir que las grandes películas que han quedado plasmadas en el recuerdo durante  muchos años, o las películas que escarban profundamente en sus temas, son curiosamente películas de bajo presupuesto (comparadas con las grandes superproducciones o blockbusters), cómo por ejemplo, aquella potente obra maestra de Jim Jarmush llamada Stranger tan Paradise, una película que debió costar unos 10 duros, y que fue rodada bajo el ideal de crear una obra discontinua totalmente de todo acto cinematográfico; que contaba de manera austera y sombría, la idea artística (visual y sonora) de la nada como símbolo de la perdida de todo estigma vital infundado externamente, es decir, perdida la meta o el fin, acontece la muerte.  No pretendo generalizar, obviamente hay excepciones remarcables, pero hablo en pro de la mayoría de las obras que hoy en día aun se recuerdan y forma parte de las películas que inspiran nuevas generaciones. Todo realizador en sus indicios,  que pretende llegar a este auge cinematográfico, sabe que el camino es escabroso y hasta venenoso, pero el poder de la gran pasión y la fuerte inspiración, produce que  en medio de la presente y absurda posmodernidad, aparezcan en el firmamento directores tan interesantes como novedosos, como el caso del realizador australiano Michael Rowe, y su cautivante primer largometraje «AÑO BISIESTO».

EL CINE SIN CINE

La siguiente reseña sólo debe ser leída —debido a la cantidad de spoilers existentes—por personas que ya han visto la película.

Durante todo el tiempo el hombre ha aprendido a reprimir dos cosas: «el deseo sexual, más allá de la idea aceptable del placer carnal» y «las ganas de morir».  ¿Quién es el culpable? La Cultura. Pues tras conformarse la cultura, el hombre accede a pertenecer a esta, y debe reprimir sus instintos más básicos, más crudos; y unos de ellos, son sus ganas de morir, y sus ganas por saciar los deseos sexuales más oscuros que su instinto demanda. Esta apreciación, parece dilucidarse con claridad en Año Bisiesto, película que cuenta la historia de Laura, una mujer de poca belleza exterior, que vive completamente aislada en su apartamento, pese a que tiene una familia que se comunican continuamente con ella, un trabajo como escritora en una revista de finanzas, y las recurrentes visitas sexuales de hombres desconocidos. Laura se encuentra inhibida de toda idea absoluta de lo que significa una vida normal para una mujer con sus características. Vive en un ambiente frio y mordido, y parece reprimir muchos sentimientos, junto a un dolor profundo que atormenta su alma y que jamás es citado en la película. Año Bisiesto cuenta la vida monótona de Laura durante todo el mes de febrero, incluido el día 29 de ese mes, es decir, el día 366 de ese año; que normalmente representa un día más de cotidianidad para cualquier persona, pero para esta mujer que batalla entre la lucha interna y el pasar el tiempo, representa otras 24 horas de batalla que debe ganar para sobrevivir; o rendirse y caer ante la derrota. Cierto día conoce a Arturo, y como es habitual lo lleva a su casa para tener sexo, este hombre despierta en ella un comportamiento sadomasoquista que cambiara rotundamente su vida.  

Michael Rowe hurga profundamente en lo que sienten estos dos solitarios personajes, encerrados en si mismos, que se encuentran en medio de la marginalidad del espacio en donde fueron dejados cinco siglos atrás después de la conquista española, un México que sigue aun vinculado a la división racial y la división socioeconómica. Laura y Arturo se conocen y de inmediato tal conexión se convierte en una representación del poder entre este hombre y esta mujer, que pertenecen a esta sociedad donde el sexo es reprimido, y es considerado una actividad recreativa y no el medio para instaurar o explorar la intimidad. La película también fecunda la idea alegórica de la inexorable separación entre el victimario y la victima. Laura consigue en Arturo un medio de escape, un medio para saciar todos sus deseos y por primera vez comienza a sentirse viva, comienzan a salir a flote todos estos deseos cohibidos (la dominación física, el daño y necesidad emocional y sexual) y comienza a aceptar su naturaleza, inclusive la idea de que su vida jamás le produjo alguna satisfacción, por ello en ella se instaura un nuevo ideal, el de morir.

“¿Me harías un gran favor? ¿Me podrías matar?”

Premiada en Cannes con el galardón “Camera d’Or”, la película en su apacible ambigüedad, captura su atención con la fuerza actoral y la belleza —por que si la tiene— estética de sus imágenes; con pocos diálogos, dos actores sobresalientes y una crudeza extravagante (desnudos y escenas sexuales sin censura), nos cuenta sin palabras, el hundimiento de esta mujer a su propio infierno, una idea simbólica pues tras aceptar la verdadera naturaleza mas allá del bien y del mal, solo se puede estar presente ante un sublime infierno. Año Bisiesto nunca deja de sorprender y no ofrece flaqueza ante el espectador, su visceral tratamiento remite a la idea arriesgada y austera de Rowe por mostrarnos esta ficción que se muestra real y casi palpable.

Película pequeña en su forma pero que ahonda en su fondo con gran libertad y tamaño. Un proyecto sumamente arriesgado que puede dividir opiniones, y puede causar cierta abominación en la concurrencia. Aun así, Año Bisiesto es una película que me seduce por completo, una exquisita  y mordaz propuesta cinematográfica, dotada de excelentes actores y el complejo realismo en el espacio físico, emocional y simbólico que su realizador construye. Hipnótica y devastadora.

Nota: 7.0/10

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Preview de la banda sonora de Alexandre Desplat para "The Tree of Life".

(Septimovicio.com) Tras una larga espera, el Festival de Cannes acogerá el 16 de Mayo la premiere mundial de "The Tree of Life" de Terrence Malick en el marco de la sección oficial a concurso. Hoy, como nuevo aperitivo, una preview de la banda sonora de Alexandre Desplat.  En una entrevista concedida a Allocine, Alexandre Desplat, autor del score (en el primer trailer, la música pertenece a Bedřich Smetana y Patrick Cassidy), además de elogiar la pesonalidad y el talento de Malick (se conocieron en 2007 en los estudios Abbey Road), admitía que estuvo escribiendo la música del film durante los dos años que tomó el rodaje y la edición, registrando grabaciones en Londres, París y Los Ángeles. Al estilo Greenaway, Malick quiso concretar la música antes de encerrarse en la sala de montaje. Del mismo modo, Desplat afirmaba que, junto a su partitura, el último proyecto de Malick también contará con piezas de Berlioz, Mahler y Ligeti, entre otros. Ya sé puede  escuchar una preview del score en Amazon (CD a la venta el próximo 24 de Mayo, tres días antes del estreno limitado en salas estadounidenses).

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CANNES 2011 SECCIÓN OFICIAL: “Le Havre” de Aki Kaurismäki (Finlandia)

Con un presupuesto cercano a los 4 millones de euros, hace justo un año comenzaba el rodaje de "Le Havre", el nuevo proyecto de Aki Kaurismäki, una comedia dramática filmada en territorio francés cuya premiere mundial acontecerá durante el Festival de Cannes. Certamen que ya ha reconocido la obra del cineasta de Orimattila en dos ocasiones, con el Gran Premio del Jurado ("Un hombre sin pasado", 2002) y una mención especial del Jurado Ecuménico ("Nubes pasajeras", 1996).

LE HAVRE

La historia, escrita por el propio Kaurismäki, está protagonizada por un limpiabotas que intenta salvar a un niño refugiado. The Match Factory, compañía alemana del sector de las ventas internacionales, llegó a un acuerdo para convertirse en el agente de ventas de la película.  “Aki lleva con este proyecto en mente desde hace mucho tiempo y escribió el guión el pasado verano.”, ha comentado Hemila directora de producción del proyecto por la productora de Kaurismäki Sputnik Oy. Con un presupuesto de 3,8 millones de euros, la película será producida por la francesa Pyramide y la alemana Pandora, que llevan años colaborando con el cineasta. Además será financiada por la televisión pública finlandesa YLE y recibirá el apoyo del Finnish Film Foundation. Sandrew Metronome distribuirá la película en Finlandia a partir del 4 de marzo de 2011.

¿Quién  dirige?

Aki Kaurismäki (Orimattila, Finlandia, 4 de abril de 1957) está considerado como el mejor director de cine finlandés, famoso por sus películas ambientadas entre las clases sociales más desfavorecidas, en especial las del norte de Europa, a menudo con situaciones y personajes extravagantes.

¿De qué va?

Marcel Marx, un hombre de 60 años, trabaja como limpiabotas en la localidad francesa de Le Havre. Lleva una vida humilde pero digna, en compañía de su esposa, que le oculta una enfermedad grave que empeora cada día. En el puerto, Marcel conoce azarosamente a un joven polizón oculto en un contenedor que acaba de llegar de África. El chico se ganará rápidamente su confianza y la vida del veterano lustrabotas dará un giro inesperado. En el reparto de esta co-producción a tres bandas (Finlandia, Francia, Alemania), habituales del cine de Kaurismäki como Kati Outinen, André Wilms, Elina Salo o Evelyne Didi, junto a los franceses Jean-Pierre Darroussin y Jean-Pierre Léaud. Por supuesto, el finlandés vuelve a contar con el director de fotografía Timo Salminen y el editor Timo Linnasalo.

¿Qué puede conseguir?

El nuevo trabajo de Kaurismäki, presume por su argumento, ser una de las películas mas serias, interesantes, notorias y de armas tomar en la próxima edición del festival. De las películas presentadas hasta ahora  en esta sección —donde doy a conocer las obras en competición—, “Le Havre” —junto a “Melancholia”— es de las producciones que mas posibilidades tienen de ganar algún premio dentro  del cuadro final en Cannes 2011.  

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CANNES 2011 SECCIÓN OFICIAL: “Melancholia” de Lars Von Trier (Dinamarca)

 (Fundador del movimiento Dogma, que buscaba despojar al cine de sus artificios, pero también capaz de refinar su celuloide hasta los extremos de "Dogville", el autoproclamado en Cannes de 2009 como el "mejor director de cine del mundo" vuelve a la carga ayudado por el director de fotografía nacido en Chile Manuel Alberto Claro.

MELANCHOLIA

El creador del “movimiento Dogma” regresa a las salas de cine después de dos años. Con su anterior filme, “Anticristo”, que giraba en torno a un matrimonio que perdía a su único hijo, recibió críticas y elogios casi a partes iguales. Definida cómo  “un bellísimo filme sobre el fin del mundo”, “Melancholia” es la historia de dos hermanas, personificadas por Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg, cuyas vidas se van separando hasta que vuelven a juntarse el día del fin de la humanidad.

¿Quién  dirige?

“Soy un melancólico danés masturbándose en la oscuridad ante las imágenes de la industria del cine.” Lars Von Trier

Von Trier, director de cine danés,  uno de los impulsores del que se ha venido a llamar Manifiesto Dogma 95, que desafió todas las reglas cinematográficas establecidas, atrayendo así el interés internacional por el cine danés. Entre sus rotundas obras maestras destacan “Los idiotas”, “Dogville”, “Manderlay”, “Europa” (Gran Premio del Jurado Cannes 1991), “Rompiendo las Olas” (Gran Premio del Jurado Cannes 1996) y “Bailar en la Oscuridad” (Palma de Oro y Premio a la Mejor Actriz Cannes 2000)

¿De qué va?

“Melancholia”, narra la llegada del fin del mundo desde una apacible mansión. Justine (Dunst) ofrece una suntuosa fiesta matrimonial en casa de su hermana, mientras el planeta Melancholia avanza sin remedio hacia la Tierra. En esta ocasión, Lars von Trier ha vuelto a contar con la actriz Charlotte Gainbourg (Palma de Oro a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes por 'Anticristo'), que también estará acompañada por Kiefer Sutherland, su marido en la ficción; John Hurt o Charlotte Rampling.

¿Qué puede conseguir?

Experto e incesante en hurgar el dolor hasta sus ultimas consecuencias, Von Trier “parece” haber conseguido una catarsis emocional con “Anticristo”, para retornar en mejor estado de gracia con “Melancholia”.  Película que promete impactar (Von Trier nunca decepciona) y despertar las mas duras pasiones de la critica y el espectador. Este cine de catástrofes psicológicas, es desde ya, uno de los títulos más importantes del Festival, y posiblemente uno de los triunfadores de la croisette. 

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CANNES 2011 SECCIÓN OFICIAL: “Hearat Shulayim (Footnote)” de Joseph Cedar (Israel)

HEARAT SHULAYIM (FOOTNOTE)

El cineasta neoyorkino de origen israelí Joseph Cedar (Oso de Plata a la mejor dirección en la Berlinale 2007 con "Beaufort", cinta que también le supuso una nominación al Oscar) competirá por primera vez en la sección oficial de Cannes con el drama generacional "Footnote" ("Hearat Shulayim").

¿Quién  dirige?

Joseph Cedar, director y guionista israelí. Ganador del Oso de Plata, el premio Ophir como mejor director y Guionista. Sus películas son conocidas para tocar temas sensibles de la sociedad israelí. Una de las razones por la que sus películas gustan, es por la habilidad que posee de combinar su espíritu patriótico israelí, con todos los demás códigos del cine universal. Entre su filmografía destaca: “Time for a Favor” (2000), “Campfire” (2004) y “Beaufort” (2007)

¿De qué va?

"Footnote" es la historia de una gran rivalidad, la que mantienen un padre y su hijo. Ambos, profesores excéntricos que se dedican en cuerpo y alma a su trabajo. El progenitor parece un terco purista que desprecia los parabienes del stablishment mientras que Uriel, su hijo, se esfuerza en su búsqueda de reconocimiento y elogios. Pero un día, las cosas cambian. El veterano maestro pronto será premiado con el honor más valioso que se pueda recibir. El joven se debate entre el orgullo y la envidia. ¿Será capaz de sabotear la gloria de su padre? Shlomo Bar Aba, Lior Ashkenazi y Alma Zack encabezan su reparto.

¿Qué puede conseguir?

Sin ninguna duda la cinta promete ser una de las fuertes competidoras en esta edición, un interesantísimo argumento y un posible duelo interpretativo masculino nos hace pensar que estamos ante una cinta que puede figurar en el cuadro final. 

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CANNES 2011 SECCIÓN OFICIAL: “Michael” de Markus Schleinzer (Austria)

Michael Fuith y David Rauchenberger protagonizan "Michael", ópera prima del actor austríaco Markus Schleinzer (también habitual director de casting de Michael Haneke y Ulrich Seidl) con la que debutará por todo lo alto en la sección oficial de Cannes 2011.

MICHAEL

Muypocos detalles se conocen de la película, protagonizada por Christine Kain, Ursula Strauss, Viktor Tremmel y Gisela Salcher, una de las apuestas más sorprendentes e inesperadas de la competición del certamen francés. Se estrenará en salas de Austria el próximo otoño.

¿Quién  dirige?

Markus Schleinzer, nacido en Austria el 8 de noviembre de 1971. Ha sido el habitual director de casting de las películas de Michael Haneke, también trabajo como actor en los filmes “Headshots” (2010) y “El Ladrón” (2010) de Lawrence Tooley y Benjamin Heisenberg, respectivamente.

¿De qué va?

Sólo se sabe que "Michael" describe los últimos cinco meses de vida y la difícil relación de una pareja involuntaria y poco usual: Wolfang, un niño de 10 años, y Michael, un hombre de 35.

¿Qué puede conseguir?

Otra de las operas primas presentadas en competición. La brevedad de sus detalles conocidos, y la carencia de material promocional, nos deja sin bases para posibles predicciones. Aun así, “Michael”, tiene cierto aire misterioso —polémico— y muy atrayente, me atrevería a decir que este filme, puede que sea muy nombrado durante todo el festival, por ahora su pareja protagónica apunta como una posibilidad a obtener el premio en conjunto como “Mejor Actuación Masculino”.  

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Promesas 2011. “TERRI” de Azazel Jacobs

“Terri” es la cinta indie de Azazel Jacobs (Momma’s Man; The GoodTimesKid) que pasó por el festival de Sundance este año. La comedia, que estrenó un nuevo trailer es protagonizada por John C. Reilly (como un temido subdirector de colegio), Jacob Wysocki (como el adolescente Terry), y Creed Bratton (como el tío de Terry), y fue escrita por Patrick Dewitt (debuta como guionísta), a partir de una historia original de Dewitt y Jacobs. “Terri” se estrenará en USA el 1 de Junio (2011). Resumen Huérfano con un tío enfermo, soportando las bromas sin piedad de sus compañeros, e ignorado rotundamente por sus cansados maestros,  “Terri” se encuentra alienado y solo. Pero cuando el temido subdirector, el Sr. Fitzgerald, ve un poco de sí mismo en el chico, ambos establecen una amistad que anima a Terri a considerar la posibilidad de que la vida es algo que compartir, incluso disfrutar, no sólo soportar. Fiel a sí mismo en la cara de la adversidad, “Terri” se convierte en un improbable héroe. Llena de corazón y humor, “Terri” es una comedia acerca de sentirse solo, y descubrir que hay otros que sienten lo mismo. Fuente 

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Promesas 2011. “SUBMARINE” de Richard Ayoade

"Submarine" es el refrescante, original y hilarante debut en la dirección de Richard Ayoade. Más conocido por su papel de Moss en Los informáticos (The IT Crowd), y con un background curtido en el circuito del videoclip, Ayoade nos emplaza a sumergirnos en esta historia a través de los ojos del “teenager” Oliver Tate, un chico de quince años que anda inmerso en las asperezas típicas de la adolescencia. Pero sin embargo su vida no es la de un chico normal. Poseedor de una sofisticación impropia para su edad: fumador de pipa, oyente de crooners franceses,  una imaginación desbordante (concibe su vida mediante los planos de un biopic, que a la vez es cómo se presenta el filme al espectador), que le reporta ser victima de burlas, “bullying” en las aulas, y un sentir general de no saber qué espacio debe ocupar en el mundo. A pesar de ello, las verdaderas motivaciones de este joven galés se centran en dos asuntos. Por un lado perder la virginidad con Jordana, su pirómana y enigmática novia. Por otro lado, intentar salvar el matrimonio de sus padres, después de que éste ande por la cuerda floja con las cada vez más constantes visitas de su madre al vecino Graham, un amante de la new age e iluminado de autoayuda. El problema reside, en que ambas misiones se le presentan incompatibles entre sí. La película, como se puede ver en el trailer o en el cartel, tiene unos evidentes aires pop que pueden sumarle atractivo o restárselo de una pasada. Habrá que comprobarlo. En Inglaterra se estreno el pasado 18 de marzo, recibiendo grandes elogios por la crítica y el público. 

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La otra "Melancholia": "Another Earth" de Mike Cahill

"Another Earth", ópera prima del montador de documentales y director de fotografía Mike Cahill, recibió el noveno Premio Alfred P. Sloan en el Festival de Sundance, un galardón dotado con 20000 dólares que reconoce la valía de películas cuya temática gira en torno a la ciencia o la tecnología. Esta mixtura de drama romántico y ciencia ficción, co-escrita por la actriz y productora Brit Marling, sigue los pasos de Rhonda Williams, sobresaliente estudiante de astrofísica del MIT, cuya máxima aspiración es explorar el cosmos. En la víspera del descubrimiento de un nuevo planeta, la joven sufre un accidente de coche en el que fallece la familia de John, un brillante compositor. La vida de estos extraños acaba de cruzarse de forma inevitable. Después de pasar cuatro años en prisión, regresa a casa, donde se reencuentra con John, con el que inicia un romance poco usual. Mientras tanto, se confirma que este nuevo planeta del sistema solar, que ya se puede observar sin dificultades en el cielo, es un planeta-espejo, idéntico a la Tierra. Un concurso de ensayo recompensará a su ganador con un viaje espacial para visitar el nuevo mundo. Ante la posibilidad de alcanzar su sueño, Rhonda se pregunta como habría sido una versión-espejo de sí misma, qué decisiones habría tomado, cómo habría sido. William Mapother, Jordan Baker y la polifacética Marling (ver también "Sound of my voice") encabezan el reparto. El jurado, capitaneado por John Amiel y Clark Gregg, destacó "su original uso de los conceptos que toma prestados de la ciencia para explorar temas como el arrepentimiento o el perdón". Asimismo, la película se hizo con el Premio Especial del Jurado. Christopher Campbell, de IndieWire, ya la había comparado con "Moon", mientras que su compañero de medio, Eric Kohn, la describió como "el Solaris de Tarkovski en manos de Aaron Katz". Fuente

Finalmente, el exquisito trailer que deja a la expectativa, otro nuevo e interesante proyecto cinematográfico para este 2011.

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CANNES 2011 SECCIÓN OFICIAL: “Drive” de Nicolas Winding Refn (Estados Unidos)

DRIVE

La dirección de Drive recae en manos de Nicolas Winding Refn. En su reparto, además de Mulligan y Gosling, también podemos ver a Albert Brooks y Bryan Cranston. Su estreno pautado en la selección oficial del Festival de Cannes 2011, genera cierta expectación.  

¿Quién  dirige?

Nicolas Winding Refn, director danés radicado en Estados Unidos desde 1981, famoso por su trilogía Pusher y casado con la actriz Liv Corfixen.  

¿De qué va?

Con guión de Hossein Amini (nominado a un Oscar por ‘Las alas de la paloma’), basado en la novela homónima de James Sallis, ‘Drive’ gira en torno a un especialista de escenas de riesgo en Hollywood, que por la noche se ofrece como experto conductor para fugas y atracos. Todo cambia el día que se enamora de la ex-novia de uno de los criminales, poniendo en peligro tanto su negocio como su vida.

¿Qué puede conseguir?

Hay gran representación americana en el jurado, lo que puede intuir un cuadro final con largometrajes de este continente. Aun así, estas posibilidades recaen solo sobre “The Tree of Life” de Terrence Malick (pese a ser una película cuya forma se aleja de las habituales palmas de oro) y “We need to talk about Kevin” de Lynne Ramsay; ya que “Drive” es de los pocos filmes dentro de la competición que prometen pasar sin pena ni gloria durante el festival, resumiendo, es de los menos esperados dentro de la croisette, ¿o habrá sorpresas?

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Cannes 2011. Nuevas imágenes de "LA PIEL QUE HABITO" de Almodóvar

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Cannes 2011: MIEMBROS DEL JURADO DE LA SELECCIÓN OFICIAL.

Los miembros del jurado del Festival de Cannes 2011, son:

Presidente del jurado 

ROBERT DE NIRO: actor, productor y director.

(The Good Shepherd, Tazi Driver, Godfellas, Awakenings, The Mission, Once Upon a Time in America)

MARTINA GUSMAN: actriz argentina.

(Nacido y Criado, Leonera, Carancho)

UMA THURMAN: actriz, escritora y productora. 

(Pulp Fiction, Kill Bill Volumen 1 & 2, Gattaca)

LINN ULLMANN: critica, actriz y escritora

(Sonata de Otoño)

OLIVIER ASSAYAS: director

(Carlos, Las horas dle verano, Clean, Finales de agosto principios de septiembre) 

JUDE LAW: actor

(Closer, My Blueberry Nights, Gattaca)

MAHAMAT SALEH HAROUN: director

(Un Hombre que Grita, Estación Seca, Abouna) 

JOHNNIE TO: director

(Vengance, Election)

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CANNES 2011 SECCIÓN OFICIAL: “Sleeping beauty” de Julia Leigh (Australia)

Algo especial tendrá “Sleeping Beauty”, el debut cinematográfico de Julia Leigh, para que haya atraído la atención de los organizadores de ni más ni menos que el Festival de Cine de Cannes. Y es que ya sólo viendo el intrigante tráiler queda claro que esta cinta australiana, sobre una joven que se mete en el sórdido e inquietante mundo de la prostitución, tiene un halo de misterio cada vez más difícil de encontrar. Todo lo demás, está aún por ver.

SLEEPING BEAUTY

La escritora australiana Julia Leigh, autora de las novelas Inquietud y El cazador, debuta en la dirección cinematográfica con “Sleeping Beauty” (La bella durmiente), un impactante retrato del mundo de la prostitución que narra los comienzos de una joven universitaria como “bella durmiente”. En competición para la Palma de Oro de Cannes, uno de los grandes atractivos es ver a Emily Browning como prostituta sumisa, junto a una reconocida escritora convertida en cineasta.

¿Quién dirige?

Julia Leigh (Sydney, 1970) quien se convirtió en una de las promesas más jóvenes de la literatura mundial. Su novela 'El cazador' (Ed. Tropismos) mereció que el periódico británico 'The Observer' la considerara una de los '21 escritores para el siglo XXI'. Además, Toni Morrison la apadrinó durante todo un año al amparo de 'The Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative'. Pero luego llegó el silencio. Un silencio de nueve años que se rompió en el 2009 con 'Inquietud' (Ed. Mondadori), una novela breve en la que la australiana parece haberle robado la voz al mismísimo J.M. Coetzee para narrar una historia dura, tremendamente dura, sobre una mujer que, tras 12 años conviviendo con un déspota, regresa al castillo francés donde pasó su infancia. Su primera incursión en el cine será con “Sleeping Beauty”, basado en el clásico cuento de la bella durmiente que Disney llevó a la pantalla grande y que, siglos antes, lo llevara Charles Perrault por primera vez a la literatura.

¿De qué va?

Proyecto independiente definido como un “inquietante cuento de hadas erótico” sobre una estudiante metida en el mundo de la prostitución. A esta chica se le droga diariamente hasta que pierde el conocimiento, y se le coloca en una habitación especial donde varios hombres hacen todo tipo de actos con ella que no puede recordar a la mañana siguiente.

¿Qué puede conseguir?

Jane Campion produce e impulsa este proyecto, justo cómo Von Trier apadrinaba la opera prima de Andrea Arnold “Red Road” ¿se repetirá la historia? Cannes vio algo interesante en este proyecto, y todo pronóstico nos dice que “Sleeping Beauty” puede figurar en el cuadro final, ¿Camara de Oro? ¿Mejor interpretación femenina? ¿Premio del Jurado? Esperemos a conocer la reacción de la crítica tras su visionado, para ir ajustando nuestras predicciones a la realidad. 

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Cannes 2011: Programacion de la Quincena de los Realizadores

Conocida la selección de películas que integrarán la sección oficial y la Semana de la Crítica, finalmente le llega el turno a la Quincena de los Realizadores, el programa paralelo de Cannes, dirigido por Frédéric Boyer, que cuenta con el Teatro de la Croisette en el Palacio Stéphanie como sede. En la parrilla de esta nueva edición, pesos pesados como André Techiné, Ruben Östulund, Sion Sono, Kamen Kalev o Auraeus Solito. La Carrosse d’or de esta edición (un premio honorífico que en el pasado recibieron cineastas como Naomi Kawase, David Cronenberg o Clint Eastwood) ha sido concedida excepcionalmente al iraní Jafar Panahi. Recordemos también que la Quincena de los Realizadores, si bien no cuenta con galardones oficiales (sí paralelos como el Art Cinema Award o el Label Europa Cinemas), participa, junto a la sección oficial, el programa Una Cierta Mirada y la Semana de la Crítica, en la entrega de la Cámara de Oro a la mejor ópera prima (el coreano Bong Joon-ho preside este año el jurado). A continuación, la selección de largometrajes, cortometrajes y sesiones especiales (podéis clickear sobre los títulos para ampliar información sobre los mismos). Fuente

LARGOMETRAJES

APRÈ LE SUD de Jean-Jacques Jauffret

ATMEN de Karl Markovics

BLUE BIRD de Gust Van den Berghe

BUSONG de Auraeus Solito

MUSHROOMS de Vimukthi Jayasundara

CODE BLUE de Urszula Antoniak

CORPO CELESTE de Alice Rohrwacher

ELDFJALL de Runar Runarsson

EN VILLE de Valérie Mréjen y Bertrand Schefer

LA FÉE DE DOMINIQUE ABEL de Fiona Gordon y Bruno Rémy

LA FIN DU SILENCE de Roland Ezdard

LE GÉANTS de Bouli Lanners

IMPARDONNABLES de André Téchiné

THE ISLAND de Kamen Kalev

JEANNE CAPTIVE de Philippe Ramos

O ABISMO PRATEADO de Karim Ainouz

THE OTHER SIDE OF SLEEP de Rebecca Daly

PLAY de Ruben Ostlund

PROFIRIO de Alejandro Landes

RETURN de Liza Johnson

SUR LA PLANCHE de Leïla Kilani

CORTOMETRAJES

ARMAND 15 ANS L'ÉTÉ de Blaise Harrison

BORO IN THE BOX de Bertrand Mandico

CIGARETTE AT NIGHT de Duane Hopkins

LA CONDUITE DE LA RAISON de Aliocha

CSICSKA de Attila Till

DANS LE JARDIN DU TEMPS, PORTRAIT D'ELY ET NINA BIELUTIN de Clément Cogitore

DEMAIN ÇA SERA BIEN de Pauline Gay

FOURPLAY: TAMPA de Henry Kyle

KILLING THE CHICKENS TO SCARE THE MONKEYS de Jens Assur

MILA CAOS de Simon Paetau

NUVEM de Basil Da Cuncha

LE SONGE DE POLIPHILE de Camille Henrot 

VICE VERSA ONE de Sadat Shahrbanoo

SESIONES ESPECIALES

DES JEUNES GENS MODERNES de Jérôme de Missolz

EL VELADOR de Natalia Almada

GUILTY OF ROMANCE de Sion Sono

LA NUIT, ELLES DANSENT de Isabelle Lavigne y Stéphane Thibault

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Critica MARTI, DUPA CRACIUN

Titulo: Marti, Dupa Craciun/ Tuesday, After Christmas

Director: Radu Muntean

País: Rumania

Genero: Drama

Guión: Radu Muntean, Alexandru Baciu, Razvan Radulescu

Fotografía: Tudor Lucaciu

Música:

Reparto: Mimi Branescu, Mirela Oprisor, Maria Popistasu, Dragos Bucur, Victor Rebengiuc

Sinopsis: Paul y Adriana están casados desde hace diez años y tienen una hija de ocho, Mara. Desde hace seis meses, Paul mantiene una relación extraconyugal con Raluca, dentista. Paul, que intenta distribuir su tiempo durante los pocos días que quedan antes de Navidad entre Raluca, la búsqueda de los regalos y las veladas en familia, decide hacer una última visita con Mara al consultorio de Raluca. Un imprevisto en la agenda de Adriana provoca que las dos mujeres se encuentren por primera vez. A pesar de no dar pie a una confrontación, este encuentro colocará a Paul frente a una difícil elección.

Trailer: Marti, Dupa Craciun

LA ÚLTIMA CENA

 La siguiente reseña sólo debe ser leída —debido a la cantidad de spoilers existentes—por personas que ya han visto el largometraje.

Paul y Raluca descansan abrazados y desnudos luego de una apasionante faena sexual. Raluca bromea con Paul y anuncia que ira por unos días a casa de su madre. Paul expresa su insatisfacción con la noticia, ya que no tolera los días “vacíos” en su ausencia. Raluca se siente alagada, y con muchos abrazos y besos de por medio, pide a su amado que el único regalo que desea para la noche buena, es la promesa de que este deje el tabaco de una vez por todas. El extenso primer plano —fijo— nos sitúa ante la corriente iteración post-coito de una pareja. No hay nada que recalcar, sólo se ve la pareja en cuestión charlando con una fuerte conexión sentimental. Posteriormente nos enteramos que en realidad esta escena, es el fruto de la infidelidad carnal y pasional de Paul, ya que esté tiene una esposa que lo adora y una simpática hija que lo idolatra. Premisa estructural que no da cabida alguna a la novedad u originalidad, «sólo se trata de una historia más de infidelidades y desamores» podría pensar el espectador promedio, y esta en lo cierto, aunque el factor recalcable y laureable de esta cinta, es el extremo y arrebatador realismo con que Radu Muntean decide contar los hechos. Marti, Dupa Craciun, es el ejemplo indiscutible del buen estado por el que esta pasando el cine rumano. Su realizador, decide profundizar argumentalmente y optar por la naturalidad en opuesto a la ficción, es decir, lo cinematográfico. Marti, Dupa Craciun esta constituida por largos enfoques secuenciales, junto a actores que bordan de manera casi milagrosa sus corrientes personajes, con una naturalidad imperante que muy bien representan el clima y ritmo de la película.  Este largometraje propone un retrato crudo y sin engaños de un hombre que encuentra un nuevo amor luego del matrimonio, y justo cuando los dos entes de tensión —sus dos mujeres— interactúan, se produce el desequilibrio que provocara que Paul deba tomar una dura decisión. La institución del matrimonio se encuentra óptimamente representada por esta sencilla familia, que vive de manera acomodada y parece simbolizar el sueño europeo promedio; la cena de navidad —celebración, agasajos, obsequios y demás— es una ocasión de festividad y reunión familiar, que vemos cómo se ve corrompida por la monotonía y se convierte en un deber o un estigma social; pero justo cuando en el visionado hemos llegado a la citada cena navideña, Paul experimenta lo que parece ser «su ultima cena», simbolismo de su ultima festividad como la roca de su familia, como el hombre que logro lo que su entorno le pedía —logros académicos, familiares y económicos—, ya que su matrimonio se desborda como si de una catástrofe se tratara, Paul ha decidido revelar su secreto e irse a vivir con su amante —nueva vida, lo desconocido, la nada. Radu Muntean en su profunda representación por la realidad, opta por enfocar su esplendor filosófico en la idea de que el hombre se entrega a la satisfacción de sus instintos vitales sin importar la perdida de su centralidad o racionalidad, tal peripecia que sólo pueden encarnar los duros de mente y corazón, arrojan al hombre ante la incertidumbre, la pesadez, la felicidad y la desdicha; precisamente, hacia la verdadera vida; por ello podemos apreciar finalmente a Paul con una expresión de vacilación y desdén, él esta experimentando su resolución vital como ser humano, sabe que al dejar atrás a su esposa y su hija, se esta dejando atrás a el mismo, o lo que era hasta ese momento. Sin finales gloriosos y malintencionados, la película posee un cierre en donde realmente comienza el auge existencial del personaje principal, el matrimonio esta roto, al igual que la estabilidad emocional de sus integrantes. Siempre me resulta memorable cuando en el cine se representa el caos dentro de los personajes, en sus silencios y  en sus expresiones «es más importante lo que callan que lo que dicen los personajes». Exteriorizarlo en simbolismo es algo muy fácil, pero, interiorizarlo en sus entes y llevarlo mas allá de las palabras es una verdadera proeza.  Marti, Dupa Craciun, es una interesante película si se le analiza desde cierta óptica existencial, que posee un argumento dotado de un realismo extremo, que tras su vicionado, deja un hueco en el estomago con la notable sensación de que se ha visto algo común y diferente a la vez, algo sencillo pero profundo y un poco incierto. Una maravillosa sorpresa.

Nota: 7.5/10

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CANNES 2011 SECCIÓN OFICIAL: “Hanezu no Tsuki” de Naomi Kawase (Japón)

Esta sección –cómo ya todos sabemos- pretende preparar e informar a todos los lectores acerca de las películas que se presentaran en sección oficial en el Festival de Cannes 2011. Diariamente se publicaran una a una las producciones que visitaran la croissete con todas las actualizaciones y material audiovisual.  En esta primera oportunidad, presentamos la cinta japonesa:

HANEZU NO TSUKI

Hasta hace pocos días, ningún medio tenía noticias de “Hanezu no Tsuki”, el último trabajo de Naomi Kawase, finalmente una de las grandes incógnitas de la sección oficial de Cannes, festival que ya recompensó en 2007 a su realizadora con el Gran Premio del Jurado por “Mogari no Mori (El bosque de luto)”.

¿Quién dirige?

Naomi Kawase (nacida el 30 de mayo de 1969 en Nara, Japón) es una directora de cine japonés. Muchas de sus obras han sido documentales incluyendo “Embracing” que trata sobre la búsqueda de su padre quien la abandonó cuando era niña, y “Katatsumori”, sobre su abuela, que la acogió. Después de graduarse en la Escuela de fotografía de Osaka (en ese entonces la Escuela de Artes Visuales) en 1989, pasó otros cuatro años como profesora.  Naomi se convirtió en la mujer mas joven en ganar la Cámara de Oro (premio al mejor nuevo director) en el Festival de Cannes en 1997 con “Moe no Suzaki”, vuele a ser galardonada en Cannes con “Mogari no Mori” (Gran Premio del Jurado), retornando este 2011 a la croissete.

¿De qué va?

Basada en la novela de Masako Bando (su obra fue objeto de una adaptación en “Inugami” de Masato Harada), “Hanezu no Tsuki” es un drama filmado en localizaciones de la región de Asuka, antiguo centro político y cultural de Japón antes de que la capital se trasladase a Nara. ¿Su sinopsis oficial? La región de Asuka, en Nara, fue el lugar donde nació el moderno Japón. Aquí, durante una época ancestral, hubo quien dedicó su vida a la contemplación y la espera. Hoy, las nuevas generaciones parecen haber perdido ese sentido de la espera, incapaces de sentirse agradecidos por aquello que les ofrece el presente, aferrándose a la ilusión de que todas las cosas se mueven de acuerdo a su propio plan. En la antigüedad, según la creencia popular, tres pequeñas montañas eran la morada de los dioses, los montes Unebi, Miminashi y Kagu. Un poderoso funcionario utilizó las montañas como metáfora de una lucha interior que radicaba en lo más profundo del corazón humano. Eran una expresión del karma. Takumi y Kayoko, heredando los deseos incumplidos de sus abuelos, luchan por seguir adelante en este enclave cuyo rastro se pierde en el tiempo.

¿Qué puede conseguir?

Sin mucha información sobre el filme, y sin ningún avance promocional, es muy poco lo que se puede pronosticar para esta producción.  Además, teniendo en cuenta la dura competencia este año, es muy difícil posicionar esta obra como una de las favoritas.  

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Cannes 2011: Programación de la semana de la critica

Confirmados los títulos que conformarán la sección oficial y el programa Una Cierta Mirada del Festival de Cannes 2011, le llega el turno a la Quincena de los Realizadores y la Semana de la Crítica. Abrimos fuego con la selección de esta última, como siempre, centrada en óperas primas y segundos trabajos.  El coreano Lee Chang-dong presidirá el jurado del Gran Premio Nespresso mientras que el polaco Jerzy Skolimowski hará lo propio en el jurado que entregará el Premio Descubrimiento Kodak al mejor cortometraje.  A continuación, el programa de la Semana de la Crítica, que este año celebrará por todo lo alto su 50ª edición. Fuente. 

LARGOMETRAJES

LAS ACACIAS de Pablo Giorgelli (Argentina)

AVE de Konstantin Bojanov (Bulgaria/Francia)

17 FILLES de Delphine & Muriel Coulin (Francia)

THE SLUT de Hagar Ben Asher (Israel)

SNOWTOWN de Justin Kurzel (Australia)

SAUNA ON MOON de Zou Peng (China)

TAKE SHELTER de Jeff Nichols (Estados Unidos)

CORTOMETRAJES

ALEXIS IVANOVITCH VOUS ÊTES MON HÉROS de Guillaume Gouix

BLACK MOON de Amie Siegel

BLUE de Stephan Kang

BOY de Topaz Adizes

BUL-MYUL-UI-SA-NA-IE de Moon Byoung-gon

DIMANCHES de Valérie Rosier

IN FRONT OF THE HOUSE de Lee Tae-ho

LA INVIOLABILIDAD DEL DOMICILIO SE BASA EN EL HOMBRE QUE APARECE EMPUÑANDO UN HACHA de Alex Piperno

JUNIOR de Julia Ducournau

PERMANENCIAS de Ricardo Alves Junior

SESIONES ESPECIALES

LA GUERRE EST DÉCLARÉE de Valérie Donzelli (Inauguración)

POURQUOI TU PLEURES? de Katia Lewcowicz (Clausura)

WALK AWAY RENÉE de Jonathan Caouette

MY LITTLE PRINCESS de Eva Ionesco

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Todos al 1ER FESTIVAL EUROPEO DE CINE INVISIBLE (gran iniciativa)

Festivales de cine hay muchos, necesarios algunos, interesantes pocos. Festivales de cine online, en España, hay uno. El 1º Festival Europeo de Cine Invisible. Online, claro. Y gratis. Esta historia empezó hace tres Festivales de Sitges. Jesús Ulled y yo hacíamos tiempo hasta la próxima proyección, El Cant del ocells de Albert Serra, mientras comíamos en la Playa de San Sebastián y hablábamos de todo ese cine que se produce y termina en el cajón de un distribuidor, en el mejor de los casos, o directamente se quedaba en el cajón del equipo de producción. Cine invisible que a pesar de su indudable calidad e interés no llegaban a las pantallas por un cálculo de rentabilidad apretado, apretadísimo, por la coyuntura. Y no se ve Cine invisible a pesar de la plataforma de exhibición que tendría que ser Internet superando los complejos provocados por los malos términos en los que se analiza, comenta y escribe, la relación entre el séptimo arte y su presente digital. Más allá de la piratería, haciendo del problema la solución, Internet es hoy por hoy una plataforma legal, rentable y sostenible para un cine en búsqueda de nuevos formatos, nuevos modelos, nuevos productos… Godard se salta Cannes y cuelga su película, las majors producen películas solo para descarga, Netflix cotiza en bolsa, Filmotech ofrece gran parte de la historia del cine español en tu ordenador. Por ello propuestas como este festival de cine on-line, cuya programación y funcionamiento arrancamos hoy, son necesarias no solo para dinfundir unas obras minoritarias en una plataforma de acceso libre si no que también para contribuir a la reformulación de un modelo de negocio que, guste o no, tiene los días contados.  Jordi Minguell

¿Qué necesito para ver el Festival Online?

- Un ordenador

- Conexión a Internet

- Una dirección de correo electrónico

- Tiempo

¿Cómo puedo ver una película en el Festival Online?

- Primero tienes que registrarte en nuestra base de datos.

- Con el código que te enviaremos a tu correo electrónico, puedes ver todas las películas.

- Las películas están disponibles en streaming de definición Media o Alta.

- Tienes 24h para ver cada película. ¡Igualico que el videoclub de toda la vida!

¿Cuántas veces puedo ver una película?

- Las veces que quieras siempre y cuando sea en 24h.

¿Cómo puedo votar para el Premio del Público?

- En la ficha de cada película tienes un botón de color azul que dice VOTA. ¡Pínchalo!

- Este botón te llevará a una aplicación del festival en Facebook

- Hazte fan de Filmotech y escoge tu película favorita

- Recuerda que los que votan también tienen premio (10 abonos de un año para ver cine gratis en Filmotech)

Las Películas del Festival

Sección Oficial Cine Inédito Español

• ANDER
• DISPONGO DE BARCOS
• LA VIDA ÚTIL
• LOS MATERIALES
• MORIR DE DÍA
• TODOS VÓS SODES CAPITÁNS

Sección Oficial Cine Inédito Europeo

• CARTAS A DIOS
• DINERO FACIL
• TOURNÉE

Sección Oficial Cine Inédito Documental

• LITTLE ALIEN
• IM BAZAR DER GESCHLECHTER
• DRAQUILA

Sección Paralela Joyas del Cine Español

• CALLE AMOR
• EL ESPÍRITU DE LA COLMENA
• EL PISITO
• LA CAZA
• PLACIDO
• VIRIDIANA

Ingresa al siguiente enlace (FESTIVAL DE CINE ONLINE) para registrarse y participar en tan novedosa y acertada iniciativa. Duración: del 11 de abril al 11 de mayo. 
¡Ya vi Tournée! y tú: ¿vas a desaprovechar esta oportunidad?

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